Jazz On Blog!

Thema: Hazy Osterwald und Red Holloway gestorben

2012-02-28T14:52:00.000+01:00

Gleich zwei Todesfälle gibt es in der Jazzwelt zu beklagen. Die Musiker Hazy Osterwald und Red Holloway sind im Abstand von nur einem Tag verstorben.

Hazy Osterwald

Der Schweizer Jazz- und Swingmusiker Hazy Osterwald, der als Rolf Erich Osterwalder 1922 in Bern geboren wurde, starb am 26. Februar in seinem Haus in Luzern. Dies bestätigte ein Sprecher des Standesamts der Gemeinde gegenüber der Nachrichtenagentur dpa. Erst am 18. Februar hatte Osterwald seinen 90. Geburtstag gefeiert. Schweizer Medien zufolge war eine bereits geplante Geburtstagsfeier abgesagt worden. Der Musiker soll an Parkinson gelitten haben. Osterwald spielte Trompete, Piano und Vibraphon, war Bandleader, Komponist, Texter, Arrangeur und Produzent in einer Person. Das Hazy-Osterwald-Sextett schaffte 1958 mit dem „Kriminaltango“ den Durchbruch. Osterwald trat mit vielen Showgrößen seiner Zeit auf, wie Caterina Valente, Peter Alexander, Bill Ramsey oder Udo Jürgens. Er hatte eigene Fernsehshows und war auch in einigen Filmen zu sehen.


Red Holloway (re.) u. Harold Land

Der Tenorsaxophonist Red Holloway, dessen eigentlicher Vorname James Wesley lautet, starb am frühen Morgen des 25. Februar in einem Krankenhaus in Morro Bay, Kalifornien. Er litt an den Folgen eines Schlaganfalls und an akutem Nierenversagen. Holloway wurde 84 Jahre alt. Der Saxophonist wuchs in Chicago auf und spielte zunächst Banjo und Mundharmonika, bevor er zum Tenorsaxophon wechselte. Ab den späten 1940er Jahren begleitete er u.a. Billie Holiday, Muddy Waters, Chuck Berry, Ben Webster, Sonny Rollins und Lester Young. Sein erdiger, bluesiger Sound war in und um Chicago damals sehr gefragt. Ab den 1960er Jahren spielte er mit den Organisten „Brother“ Jack McDuff und „Dr.“ Lonnie Smith, später mit Sonny Stitt und Clark Terry. Bis vor kurzem war Red Holloway noch bis zu 30 Wochen im Jahr auf Tournee gewesen.

Angehört: Erland Dahlen „Rolling Bomber“

2012-02-23T12:49:00.001+01:00

HUBROCD2512

Das Schlagzeug ist weit mehr als nur ein Rhythmusgerät. Es ist ein vollwertiges, eigenständiges Instrument mit eigenem Charakter, und ein Schlagzeugsolo ist immer ein Höhepunkt entfesselter Energien. Der Norweger Erland Dahlen zeigt uns auf „Rolling Bomber“ die eher subtilen und feinstofflichen Klangeigenschaften seines Instruments.

Eine CD, bei der nur ein Schlagzeug, diverse Perkussionsinstrumente sowie eine singende Säge (!) und mit dem Bogen gestrichene Kuchenformen (!!) im Fokus stehen, muss zwangsläufig einen ganz eigenen Charakter entwickeln. Erland Dahlen spielt all diese Instrumente auf seinem ersten Soloausflug, und mag der Titel „Rolling Bomber“ auch eher martialisch klingen, so ist sein Sound doch ein ganz feiner. Im Fokus dieser CD steht ein antikes, aus den 1940er Jahren stammendes Slingerland Rolling Bomber Schlagzeug, dessen Klang darauf beruht, dass für die mechanischen Teile anstatt Metall Holz benutzt wurde. Dahlen zaubert aus dieser Rarität dunkel dräuende Donnerschläge, legt den traurigen Klang einer singenden Säge darüber, mixt und mischt andere Schlaginstrumente dazu, und schafft damit einen eher charakterlich düsteren Klangkosmos, von dem Namen wie „Funeral“ oder „Pyramid“ hörbar Zeugnis ablegen. Es sind schleichende Gänge durch die Dunkelheit, wo der „Dragon“ röchelnd mit keuchendem Atem aus seiner Höhle kriecht, um sich die Prinzessin einzuverleiben. Dahlen, der ansonsten auch der energetische Schlagzeuger im neuen Trio von Nils Petter Molvaer ist, erzeugt hier die eher abgründigen Töne, deren Nachhall auch nach dem Verklingen noch lange zu hören ist. Dieser Sound fließt, er fließt dunkel durch die Zeit. „Rolling Bomber“ ist ein untypisches und doch zeitgemäßes Statement, das seinen Reiz hat. Hörenswert!

Hubro im Netz: www.hubromusic.com

Angehört: Marius Neset „Golden Xplosion“

2012-02-22T12:32:00.001+01:00

Edition EDN1027

Aus Norwegen kommen seit Jahren nicht nur hervorragend ausgebildete Musiker, sondern auch Schöpfer ganz eigener und eigentümlicher Klangwelten. Der Saxophonist Marius Neset ist die neueste Entdeckung.

Sein Klangkosmos ist die eruptive Explosion. Diesen Eindruck von Energie entwickelt sich schon in den ersten Tönen des Intros, in dem sich Marius Neset nur von Django Bates an der Trompete begleiten lässt. Es entsteht ein aus Versatzstücken und Vexierbildern bestehendes Kaleidoskop knalliger sowie mächtiger Töne, ein Thema, was sich auch im ersten Quartettstück (diesmal mit Django Bates an den Tasten) weiterentwickelt. Die „Golden Xplosion“ ist geboren. Schnell, zappaesk und dementsprechend manchmal fast hektisch rauscht Neset mit seinen Getreuen auch durch den nächsten Track, um sogleich im vierten Titel der Scheibe scharf abzubremsen und ein ganz anderes, gemächlich schlenderndes Tempo an den Tag zu legen. War es bisher ein eher knackiger Saxophonsound, der mächtige Akzente der Wildheit setzte, so ist es plötzlich – man traut den Ohren kaum! - ein sanftes Gleiten durch die Melodien. Alles nur ein Trugschluss?

Marius Neset, im Verbund mit dem schon erwähnten Django Bates, Jasper Hoiby am Bass (er ist ansonsten Leader der herausragenden Formation Phronesis) und Anton Eger am Schlagzeug, führt den Hörer durch ganz verschiedene Gefühlswelten auf eine turbulente Entdeckungsreise, denn gleich im ersten der insgesamt fünf (!) Solostücke für Saxophon gibt er wieder den wilden Mann. Hier offenbart sich neben dem Können dieses jungen Saxophonisten auch seine schöpferische Kraft im erschaffen komplexer Melodien, ein austarieren zwischen wild und harmonisch. „Golden Xplosion“ ist ein gutes Beispiel für zeitgenössischen Jazz ohne Scheuklappen: man höre nur einmal das spaßig-funkige „The Real YSJ“ oder das klassisch-hymnische „Angel Of The North“, zwei Antipoden in der Klangwelt des Marius Neset, die doch ein Ganzes ergeben. Und dabei ist der Junge erst 25!

Marius Neset im Netz: www.mariusneset.com

Edition Records im Netz: www.editionrecords.com

Angehört: Elin Furubotn „Heilt Nye Vei“

2012-02-20T11:38:00.003+01:00

OZ 039 CD

Kann man mit norwegisch gesungenen Texten auch international erfolgreich sein? Man, besser gesagt: Frau kann! Elin Furubotn beweist, wie es geht.

Zuerst ist da dieses Saxophon, leise, brüchig, etwas verloren im Hintergrund, doch unendlich eindringlich und zärtlich. Dann kommt der Klang einer akustischen Gitarre hinzu und die Stimme. Diese Stimme gehört Elin Furubotn, sie ist klar und sie prägt sich sofort ein. Mehr braucht es auch nicht, und man ist – lalala – in einer anderen Welt, in der vieles gar nicht so lalala ist. Jazziger Folk-Pop, der auch mal rockige Anklänge hat, dringt ans Ohr und unter die Haut. „Heilt Nye Vei“ hat die Norwegerin ihr Album genannt, ein „ganz neuer Weg“, und den beschreitet Elin Furubotn auch mit diesem, ihrem ersten internationalen Album nach vier nationalen. „Heilt Nye Vei“ ist träumerische Verspieltheit in einer manchmal zu realen Welt. Furubotns Stimme betört, schmeichelt, pendelt zwischen mädchenhaft und fraulich. Sie hinterlässt Eindruck und Spuren in der Seele wie Fußabdrücke im Sand. Diese CD ist leicht wie eine Feder und doch ein ziemliches Schwergewicht. Die Musik darauf öffnet das Herz und lässt die Alltagssorgen vergessen, zumindest für eine Weile. Ein beeindruckendes Statement einer ganz besonderen Künstlerin.

Hier gibt es das Video mit dem Titelstück "Heilt Nye Vei":

Elin Furubotn im Netz: www.elinfurubotn.com

Ozella Music im Netz: www.ozellamusic.com

Angehört: Gregory Porter „Be Good“

2012-02-16T11:44:00.002+01:00

Motema 233488

Viel Zeit hat er sich nicht gelassen. Gerade mal 15 Monate sind seit dem Debüt „Water“ ins Land gegangen – doch Gregory Porter ist kein Freund langer Tauchgänge.

„Be Good“ heißt diese neue CD, und wieder gelingt dem Amerikaner eine bemerkenswerte Aufnahme, mit der er sich in der Reihe großer männlicher Stimmen etablieren dürfte. Überhaupt ist sein Aufstieg steil bergauf gegangen. Gregory Porter hat innerhalb kürzester Zeit bewiesen, dass seine Stimme zu einem Markenzeichen geworden ist. Dunkel, weich und ausdrucksvoll bringt er Texte voller Tiefgang und Intensität, eingebettet in harmonische Soundstrukturen, die seine Stimme noch mehr herausstellen. Dabei sah es lange nicht so aus, als würde für den Wahl-New-Yorker alles gut werden. Sein Traum von einer Footballkarriere wurde früh durch eine schwere Schulterverletzung gestoppt. Eine neue Herausforderung musste her, und so begann Porter bald in kleinen Jazzclubs zu singen. Dort wurde er für die Musicalbühne entdeckt und stand jahrelang mit „It Ain`t Nothin` But The Blues“ auf der Bühne. Dem Blues und Jazz ist er treu geblieben, erweitert hat er sein Repertoire um Souleinflüsse. Geöffnet hat er sich auch in Richtung Pop, aber wer ein souliges Popalbum mit Jazz und Blues erwartet, der liegt völlig falsch. Im Verlauf des Albums lässt Porter seine hervorragende Begleitband ein ums andere mal von der Leine, was sie ihm mit wilden Improvisationen dankt. Gekonnt sind auch die Ausflüge in die Historie: der „Work Song“ aus der Feder Nat Adderleys (und unsterblich geworden durch den Sänger Oscar Brown Jr.) bekommt einen kraftvollen Anstrich verpasst, und „God Bless The Child“ von Billie Holiday ist ein gospelartiger Ausklang, bei dem nur der Sänger allein zu hören ist. „Be Good“ ist der zweite Streich, der Gregory Porter weiter auf die Erfolgsspur bringen dürfte.

Hier das Video zum Titelstück "Be Good (Lion`s Song)":

Gregory Porter im Netz: www.gregoryporter.com

Motema im Netz: www.motema.com

Angehört: Henning Sieverts „Symmethree“

2012-02-16T09:48:00.000+01:00

Pirouet PIT3061

Mathematik und Musik haben eine enge Verbindung, was schon in der Antike bekannt war. Manchmal entsteht durch diese Verbindung große Kunst. „Symmethree“ von Henning Sieverts ist so ein Beispiel.

Wie auch auf seinen Vorgängeralben beschäftigt sich der Bassist wiederum mit symmetrischen Figuren in seinen Kompositionen, oder versucht sie in den Musikstücken Anderer zu entdecken. So spielen Zahlen für Sieverts immer wieder eine große Rolle. Das Titelstück etwa beruht auf der Zahl 3, und besteht im Aufbau aus großer und kleiner Terz. „Nine O.M.“ und „Nine on Twelve“ sind direkt von der Neuntonleiter des großen französischen Komponisten Olivier Messiaen beeinflusst. Daraus entstehen aus der Hand des Komponisten Sieverts nicht einfach nur flache Tonskalen mit symmetrischem Mustern, sondern eindringliche Kleinodien feinster Kammermusik. Einen großen Anteil am hervorragenden Gesamtsound haben auch seine beiden Mitmusiker Nils Wogram an der Posaune und Ronny Graupe an der Gitarre. Im Verbund beweist das Trio sogar, das Mathematik swingen kann und darüber hinaus einfach nur Spaß macht – die Lehrer an den Schulen sollten sich in ihrem Unterricht daran einmal ein Beispiel nehmen! Aus der Hand dieses Trios jedenfalls klingt alles spielerisch leicht, ja einfach, und hier liegt das Geheimnis der wahren Faszination und Schönheit dieser Einspielung. „Symmethree“ ist nicht zuletzt ein Bindeglied zwischen Kammermusik und Jazz, das einem trotz oder gerade wegen der Zahlenspielereien einen Einstieg leicht macht – es öffnet die Türen und heißt einen willkommen.

Henning Sieverts im Netz: www.henningsieverts.de

Pirouet im Netz: www.pirouet.com

Angehört: Lyambiko „Sings Gershwin“

2012-02-14T11:54:00.000+01:00

Sony Music 88697983102

Vor 75 Jahren starb mit Geroge Gershwin einer der populärsten Komponisten der amerikanischen Geschichte. Viele seiner Songs sind Klassiker geworden, darunter „Summertime“, „I Got Rhythm“ oder „The Man I Love“. Die Sängerin Lyambiko wagt sich an eine Hommage.

Nun also Lyambiko. Irgendwann landet eben jeder Sänger und jede Sängerin bei Gershwin. Das ist gut so, aber gleichzeitig begibt man sich auf sehr dünnes Eis. Wie will man diese Stücke neu interpretieren, wo doch schon so viele Stimmen bahnbrechende Versionen von diesen Klassikern vorgelegt haben? Judy Garland, Louis Armstrong, Frank Sinatra und vor allem Ella Fitzgerald haben die Messlatte hier ganz schön hoch gelegt. Lyambiko überspringt diese Messlatte nicht, sie liefert mit ihrer Band (wie immer mit Marque Lowenthal, Robin Draganic und Heinrich Koebberling) statt dessen einen solide swingenden Sound ohne große Überraschungen. Aber sie umgeht auch einige Klippen, indem sie sich auf eher selten gehörtes Material aus der Feder Gershwins stützt. Wer kennt noch „Let`s Call The Whole Things Off“ aus dem Film „Shall We Dance“ mit Fred Astaire oder „Slap That Bass“ aus dem Musical „Crazy For You“? Lyambiko zerrt diese Songs aus dem Schatten des Vergessens, poliert und entlässt sie in die Welt. Gesanglich und musikalisch wie gesagt ohne große Überraschungen, dafür mit gutem Handwerk und, natürlich, dieser faszinierenden Stimme.

Lyambiko im Netz: www.lyambiko.com

Sony Music im Netz: www.sonymusic.de

Angehört: Sebastian Gahler Trio „Trust“

2012-02-13T15:19:00.000+01:00

Edel Records

So mancher muss in dieser Zeit um das Vertrauen seiner Mitmenschen werben, oder hoffen, dieses Vertrauen nicht zu verlieren. Sebastian Gahler gehört nicht dazu. Ihm kann man auch auf seiner zweiten CD blind vertrauen.

Enttäuscht wird man nicht, und „Trust“ wird seinem Namen auch schnell gerecht. Ja, man kann Sebastian Gahler vertrauen, dass er den beschrittenen Weg eines modernen, zeitgemäßen Jazz auch weiterhin treu bleibt. Mehr noch als auf seinem Erstling „Meditation“ kommt diese Musik aus der Mitte. Sie ist nicht verkopft (genauso wenig wie sie kopflos ist!), sondern kommt aus dem Bauch heraus. Aus diesem Bauch musiziert Gahler mit einer Leichtigkeit, die ansteckend ist und den Hörer sofort mitnimmt. Das faszinierende an seiner Musik ist, dass sie dabei in ihrer komplexen Verspieltheit so einfach wie eingängig ist. Im Trio mit Nico Brandenburg (Bass) und René Marx (Schlagzeug) wandelt er auf den Spuren Bill Evans, John Taylors oder eines Fred Hersch. Gahlers Musik ist also ein Bindeglied zwischen alt und neu, zwischen Historie und Gegenwart mit einem beherzten Ausblick in die Zukunft. Und sie spricht auch Menschen an, die ansonsten bei Jazz eher die Nase rümpfen – sich aber hier von der Schönheit und Eleganz der einzelnen Titel gefangen nehmen lassen, nicht zuletzt durch ihre ausgeprägte rhythmische Eingängigkeit. Sebastian Gahler setzt bei seinen Hörern nichts voraus, und gerade das macht den Einstieg bei ihm leicht. Man kann ihm und seinen Mitmusikern vertrauen, und dieses Vertrauen wird nicht enttäuscht. „Trust“ ist, einfach gesagt, ein kleines Meisterwerk.

Sebastian Gahler im Netz: www.sebastiangahler.de

Edel Records im Netz: www.edel.com

Angehört: Squeezeband „Squeeze Live“

2012-02-13T13:03:00.000+01:00

Jawo JAW012

Ein Line-Up der Extraklasse unternimmt eine Gratwanderung zwischen Jazz und HipHop, live aufgenommen bei der 41. Ausgabe der Jazzwoche Burghausen 2010.

Auf dem Cover winden sich Schlangen und sonstige Fantasieviecher mit haufenweise Augen und Zähnen. Ein vieräugiger Monstersmiley strahlt einem mit gebleckten Zähnen direkt ins Gesicht, wenn man die CD einlegt. Scheint eine gefährliche Musik zu sein, die einem gleich zu Ohren kommen wird. Aber weit gefehlt, die Squeezeband bietet hinter der Fassade eine solid-homogene, genreübergreifende Fusionsmusik, die auch noch Spaß macht. Verantwortlich dafür ist der Schweizer Schlagzeuger und Perkussionist Reto Weber, der diese Band schon seit 2003 betreibt, und sie 2009 internationalisiert hat. Und wie! Neben Weber sind die Saxophonisten Chico Freeman und Gilad Atzmon, der Posaunist Gianluca Petrella, Dany Martinez und Michel Albio an Gitarre und Bass sowie der Italiener Nino G als menschliche Beatbox mit von der Partie. Dass bei solch einer Besetzung nicht nur das übliche Kräftemessen, sondern auch noch harmonisches Zusammenspiel zu erleben ist, ist nicht unbedingt eine Selbstverständlichkeit, aber umso mehr ein großes Glück für den Hörer.

Hier ist ein Eindruck aus dem Konzert in Burghausen:

Squeezeband im Netz: www.squeezeband.ch

Jawo-Records im Netz: www.jawo-records.com

Angehört: Neil Yates „Five Countries“

2012-02-09T13:17:00.000+01:00

Edition EDN1029

Mit Trompete, Gitarre und Perkussion auf zu sphärischen Klängen voller Schönheit und Eleganz. Neil Yates zeichnet auf „Five Countries“ malerische Soundlandschaften.

Der 1970 in England geborene Trompeter Neil Yates ist ein bekannter Sideman, der bereits auf vielen CDs mitgespielt hat. Als Leader legt er aber erst sein zweites Album vor.. Yates ist angesiedelt in der Schnittmenge zwischen Folk und Jazz, und beide Elemente kommen auch auf „Five Countries“ zum Tragen. Mit dem rumänischen Gitarristen Zsolt Bende und dem irischen Perkussionisten Cormac Byrne macht Neil Yates sich auf, die musikalischen Wurzeln eines jeden zu erforschen. „Five Countries“ ist also nichts anderes als eine Bestandsaufnahme dreier Individuen, die durch Migration und Reisen ihren kulturellen Hintergrund erweitert und verändert haben, und die doch ihre Heimat im Herzen tragen. Mit dem sanften Spiel Yates, der aus mittleren Registern selten laut ausbricht, entsteht eine zumeist getragene, aber dennoch beschwingte multikomplexe Mischung der jeweiligen Einflüsse. Keine Wildheit, keine Extrovertiertheit, sondern sanfte Tupfer zerfließender Aquarellfarben, so lässt sich „Five Countries“ am besten beschreiben. Wer musikalisch lustwandelnd durch verschiedene Länder streifen möchte, für den ist „Five Countries“ auf alle Fälle eine Empfehlung.

Hier das Video zu "Flutter And Flight" von Neil Yates:

Neal Yates im Netz: www.neilyates.webs.com

Edition Records im Netz: www.editionrecords.com

Angehört: Christoph Stiefel / Lisette Spinnler „Bima Sakti“

2012-02-06T11:52:00.001+01:00

Traumton 4564

Eine CD, die streckenweise so klingt, wie feinste Schweizer Schokolade schmeckt. Christoph Stiefel und Lisette Spinnler präsentieren im Duo eine ganz besondere Musik aus dem Alpenländle.

Es beginnt mit einer Dolly Parton Nummer. „Jolene“ klingt wie verloren – ein erster zartbitterer Geschmack des Duos Stiefel / Spinnler, der nach Susanna and the Magical Orchestra klingt, von dem beide sich auch haben inspirieren lassen. Ein Song wie geschaffen für abgründige schwarze Tiefen und ein intensiver Opener der CD „Bima Sakti“. Was dann folgt, ist ein malerischer Ausflug in die Klangsphären der „Milchstraße“ (indonesisch „Bima Sakti“) mit teils präpariertem Piano und wortlosem Gesang. Dabei entwickeln die Beiden einen dichten Dialog voller Abstufungen und diffiziler Dynamik. Daraus erwächst pure Schönheit, die zwar nicht über die gesamte Länge der CD trägt, jedoch immer wieder zu angenehmen Höhepunkten führt. Oder zu zart schmelzenden Erlebnissen, um bei dem Vergleich mit der Schokolade zu bleiben. Fehlen dürfen natürlich auch Stücke aus dem Stiefel`schen Isorhythmus-Zyklus nicht, den er sonst mit seinem Inner Language Trio präsentiert, die hier aber mit Gesang noch einmal eine ganz andere, zerbrechlichere Note entfalten. „Bima Sakti“ ist unbestreitbar das Werk zweier verwandter Seelen.

Christoph Stiefel im Netz: www.christophstiefel.ch
Lisette Spinnler im Netz: www.lisettespinnler.com

Traumton im Netz: www.traumton.de

Angehört: Mark Wyand „I`m Old Fashioned“

2012-02-02T13:15:00.000+01:00

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Ein Schritt zurück kann auch ein Schritt vorwärts sein. Klingt vielleicht paradox, ist es aber nicht wirklich. Denn manchmal ist es gut, einen Blick über die Schulter zu werfen.

Bei Mark Wyand bleibt es nicht bei diesem Blick. Er hat sich komplett umgedreht und sieht der Vergangenheit ins Gesicht. „I`m Old Fashioned“ behauptet er, doch seine Interpretationen von Jazz Klassikern haben nichts rückwärtsgewandtes. Der Saxophonist mit englischen Wurzeln macht aus den alten Melodien bekömmliche Gegenwartsmusik, die er zumeist im gemäßigten Vierteltakt schlendern lässt. Wyand interpretiert „Lonnie`s Lament“ (John Coltrane), „Speak Low“ (Kurt Weill) oder „Lonely Woman“ (Ornette Coleman) mit einer großen Portion Eklektizismus und rettet sie so in die Gegenwart. Sein Sound bleibt dabei ein eigener, und das ist gut so, denn als Kopie der übergroßen Namen, die all diese Songs schon gespielt haben, wäre Wyand schlicht untauglich. Aber man muss sich an „I`m Old Fashioned“ langsam herantasten. Es ist ein Album für die stillen Stunden geworden, nicht lautmalerisch oder prahlend. Und erst nach mehrmaligem Hören werden einem die Feinheiten ins Ohr dringen, wird auch der Gesang von Ofri Brin seine raue Schönheit entfalten und der manchmal zu eingängige, wenn auch subtile Rhythmus gefangen nehmen. „I`m Old Fashioned“ wird sich dann als große Lüge entpuppen, denn dieser Schritt rückwärts führt geradewegs in die Zukunft.

Mark Wyand im Netz: www.markwyand.com

Edel Content im Netz: www.edel.com

Angehört: Rom / Schaerer / Eberle „Please Don`t Feed The Model“

2012-02-01T15:05:00.000+01:00

UTR 4321

Unerhört! Das ist der erste Gedanke beim Anhören dieser CD. Unerhört, jawohl! In der heutigen Zeit so etwas zu produzieren ist ein großes Glück für empfangsbereite Ohren.

Ein solches Jazztrio sucht man ansonsten vergeblich auf den Bühnen und in den Studios. In einer Zeit, wo sich immer mehr Musiker fluchtartig in die scheinbare Sicherheit eines konventionellen Pianotrios retten und die Musik dieser Trios sich immer weiter angleicht, weil die Plattenfirmen weiterhin auf der (vergeblichen) Suche nach einem E.S.T. Nachfolger sind, da durchbricht dieser Dreier um Peter Rom, Andreas Schaerer und Martin Eberle nicht nur in der Instrumentierung mit Gitarre, Stimme und Trompete den aufgestellten Konformismus, sondern auch im Bruch mit der sentimentalen Suche nach dem Verlorenen. Keine übliche Jazzlyrik, keine weichgespülten Sounds, sondern wohltemperierte Klänge in fremdartiger Konstellation. Was Rom, Scharer und Eberle an kleinen Raffinessen bieten, hätte Platz auf mindestens einem halben Dutzend Silberlinge. Afrikanisches trifft HipHop, traditionelle Märsche mischen sich mühelos mit modernem Neobop, und dazwischen ist auch noch Platz für alpine Heimatklänge und tausenderlei verrückte Einfälle mehr. Alle drei Musiker, sonst auch in eigenen Formationen erfolgreich (Peter Rom Trio, Hildegard lernt fliegen), haben sich hier gefunden wie der sprichwörtliche Deckel den Topf. Diese CD macht Spaß, und den hat man in dieses Zeiten bitter nötig. Bleibt nur zu hoffen, dass Rom, Schaerer und Eberle ihr Pulver nicht schon verschossen haben.

Rom / Schaerer / Eberle im Netz: www.romschaerereberle.com

Unit Records im Netz: www.unitrecords.com

Interview: "Ehrlich und authentisch sein" - Die Saxophonistin Alexandra Lehmler

2012-01-31T15:55:00.000+01:00

Mit "No Blah Blah" ist der Saxophonistin Alexandra Lehmler ein spannendes, stringentes und auch sehr persönliches Werk gelungen. Ohne viel Gerede steht die Musik hier ganz für sich, kraftvoll und lyrisch. Auch im Interview verbreitet Alexandra Lehmler keine leeren Worthülsen. Die Frau weiß, was sie will.

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Jazz On Blog!: Kommen wir gleich mal zum Titel deiner neuen CD: „No Blah Blah“. Reden Jazzmusiker zu viel über ihre Musik und spielen zu wenig, oder warum hast du die CD so benannt?

Alexandra Lehmler: Die Musik steht im Vordergrund. Keine schwülstigen Titel, kein Konzeptalbum, kein nettes Mädchen im Röckchen und mit Highheels auf dem Cover. Als ich mir Gedanken um den Titel und die Verpackung der Platte gemacht habe sind mir so viele Beispiele eingefallen, wie ich es nicht machen möchte und da war der Titel "No Blah Blah" schließlich unumgänglich. Ich wollte einfach ehrlich und authentisch sein. Das ist dabei heraus gekommen.

Wird im Allgemeinen zu viel über Jazz geredet, vor allem im negativen Sinn?

Eigentlich wird über Jazz ja viel zu wenig geredet! Viele Menschen wissen gar nicht, dass es Jazz gibt, deswegen sollte man vielleicht noch viel mehr darüber reden. Andererseits wird im Verhältnis zu dem, was man an Jazz-Musik in den Medien zu hören bekommt, gerade ziemlich viel darüber geredet. Da ist aktuell eine Diskussion im Gange, die mit dem Plattentitel nichts zu tun hat. Viel wichtiger als das Reden ist eben das Hören! Jazz muss viel mehr gehört werden! Im Radio, im Fernsehen, in Schulen, Theatern, wo auch immer. Es geht ja in erster Linie um die Musik - deswegen "No Blah Blah"!

Du hast die aktuelle Diskussion um den Jazz gerade selbst angesprochen, und meine vorherige Frage kam natürlich nicht ohne Grund, denn zur Zeit macht ein Aufruf unter Musikern im Netz die Runde, wo die schlechte Situation des Jazz und der Jazzmusiker angeprangert wird. Du hast diesen Aufruf, wie viele andere auch, unterzeichnet. Glaubst du wirklich, dass diese – zum Teil ja schon sehr alten Forderungen – in irgendeiner Weise zu einer Verbesserung der jetzigen Situation führen werden?

Die Forderungen hören sich teilweise zugegebenermaßen etwas unrealistisch an. Aber wichtig ist, dass überhaupt etwas passiert. In den letzten Jahren ist nicht viel bewegt worden, jeder hat für sich sein Ding gemacht und sich mehr oder weniger damit abgefunden, dass die Dinge so sind, wie sie sind bzw. sich darüber beklagt, dass sich nichts tut. Jetzt ist vielen Musikern bewusst geworden, wie wichtig es ist sich zu vernetzen, sich auszutauschen und selbst etwas dafür zu tun, dass sich Zustände zum Besseren verändern. Ich glaube, das hat auch ein bisschen was mit der Ausbildung zu tun. Die meisten Musiker haben inzwischen an einer Hochschule studiert, ein Diplom dafür bekommen und viele haben sich wohl auch gedacht: Wenn man das studiert und einen tollen Abschluss hat, dann kann man später sicherlich auch Geld damit verdienen. Einerseits ist da der Musiker in der Pflicht realistisch zu werden und sich zu überlegen, was es bedeutet, diesen „Beruf" zu ergreifen und andererseits ist der Staat in der Pflicht sich zu überlegen, warum er so viele Musiker ausbildet, denen die Realität keine Perspektive bietet. Also: Ich denke man kann nur was erreichen, wenn man sich Gehör verschafft und das tun viele Musiker derzeit. Das ist doch sehr gut! Auch wenn die Forderungen sehr alt sind - es wird zum ersten Mal seit langer Zeit laut darüber geredet.

Gehen wir zurück zur Musik deiner neuen CD. Kannst du mir zustimmen, wenn ich behaupte, dass „No Blah Blah“ lyrischer und vielleicht auch gradliniger als der Vorgänger „Die Welt von unten gesehen“ geworden ist?

Ich finde das Ergebnis homogener als die vorherigen Platten. Als Musiker befindet man sich ja ständig in einem Prozess. Zumindest empfinde ich das so. Man lernt immer wieder dazu. Ich hab das Gefühl, dass ich inzwischen viel genauer weiß, was ich will und wie meine Musik klingen soll. Vielleicht klingt die Musik deswegen lyrischer. „Gradlinig" hört sich im ersten Moment irgendwie negativ an. Wenn Du damit einen „roten Faden" meinst, dann würde ich das so unterschreiben.

Was hat sich zwischen den mittlerweile drei Alben verändert? Oder anders gefragt: wie hat sich das Miteinander in der Band verändert?

Wir haben uns alle während des Studiums kennengelernt. Inzwischen sind die meisten von uns verheiratet. Farouk (Gomati, Anm. d. Red.) lebt in Miami, Bruno (Böhmer, Anm. d. Red.) in Berlin, alle sind sehr viel unterwegs, haben viel erlebt, haben sich weiter entwickelt. Man könnte sagen, jeder ist reifer geworden. Und so ist das auch im Miteinander. Es ist alles etwas entspannter geworden, dadurch, dass jeder genauer weiß was er will. So bringt jeder gezielt seine Stärken in den Sound der Band ein. Niemand muss sich verstellen. Das macht für mich den Reiz aus. Die Vorbereitungen für die Aufnahme waren sehr kompliziert und für mich ziemlich anstrengend. Wir haben ja in zwei Sessions aufgenommen und für die erste Session nur einmal geprobt. Wir hatten dann unglaublich viel Spaß im Studio, weil alles sehr frisch war und wir viel Lust hatten zusammen zu spielen.

Du hast für die Einspielung der neuen CD dein Quintett aufgestockt und du hast die Plattenfirma gewechselt – kann man „No Blah Blah“ auch irgendwie als Neuanfang der Alexandra Lehmler werten?

Nein, es ist definitiv kein Neuanfang. Es ist ein Fortsetzen des bereits eingeschlagenen Wegs. Es sind einfach alle dabei, die in den letzten 8 oder 9 Jahren wichtig waren für die Entwicklung der Musik des Quintetts. Es war mir wichtig, alle diese Musiker dabei zu haben und es hat mich sehr glücklich gemacht, dass das geklappt hat.

Gibt es Lieblingstitel, an denen dein Herz ganz besonders hängt?

„Feeling Round“ ist mir sehr wichtig. Das ist der erste Titel, den ich für die Platte geschrieben habe und er charakterisiert für mich die Aufbruchstimmung in der ich auf dem Weg bis zur Aufnahme war.

Außer dir hat noch der Bassist Matthias Debus die Songs geschrieben. Einige habt ihr auch zusammen entwickelt. Was war einfacher: die Musik alleine zu schreiben oder im Duo zu arbeiten?

Hmm, das ist ganz unterschiedlich. Manchmal ist es gut, sich gegenseitig zu helfen wenn man sozusagen „hängen geblieben" ist. In anderen Fällen hat man eine konkrete Vorstellung davon, wie es klingen soll, dann möchte man sich gar nicht von jemandem hinein reden lassen. Am besten funktioniert es meistens, wenn ich etwas für mich selbst aufnehme und es Matthias dann vorspiele. Wenn wir gut drauf sind, machen wir dann gemeinsam etwas daraus.

Wenn du die Songs dann zur Probe mitbringst, gibt es da manchmal Diskussionen mit den anderen Bandmitgliedern, oder sagst du : „Ich bin der Boss und ihr spielt jetzt meine Musik!“?

Diskussionen sind ganz schlecht für das Musik machen! Am besten ist es einfach zu spielen und jeder probiert aus, was ihm dazu einfällt. Dabei entstehen zumindest bei uns die besten Ergebnisse. Ich sehe mich nicht als den Boss an. Klar, ich stehe vorne, schreibe - zusammen mit Matthias - die Stücke und treffe viele Entscheidungen. Aber wir sind eine Band! Jeder von uns steckt so viel Inspiration und Energie in die Musik, wie er kann. Es ist ein Geben und Nehmen. Das Zusammenspielen macht nur dann Sinn, wenn wirklich jeder Spaß daran hat und von der Musik überzeugt ist. Klar, man kann es auch anders machen, dann wird es aber nicht so gut! (lacht)

Du spielst Alt-, Sopran- und Baritonsaxophon auf der neuen CD. Wie wichtig ist dir das Umschalten von einem Instrument zum anderen?

Jedes Instrument hat seinen eigenen Charakter. Bei den meisten Stücken ist von vorne herein klar, auf welchem Instrument ich sie spielen möchte. Wenn ich nur eins der Saxophone spielen würde, wäre das auf Dauer sehr eintönig. Die verschiedenen Farben im Laufe eines Konzerts oder auf einer CD finde ich sehr wichtig.

So, genug Blah Blah verbreitet. Aber eine Frage habe ich noch: gibt es für dich etwas Schöneres als Musik?

Puh, die Frage kann ich nicht mit Ja oder Nein beantworten. Ich bin sehr, sehr glücklich, dass ich das machen kann, was ich momentan mache. Unsere Musik spielen, unterwegs sein - ich genieße das sehr! Ich möchte mit niemandem tauschen! Es gibt aber nicht ausschließlich die Musik für mich.

Hier noch etwas Musik und O-Töne zur CD:

Alexandra Lehmler im Netz: www.a-l-q.de

JAZZ`n`ARTS im Netz: www.jazznarts.com

Angehört: Malia „Black Orchid“

2012-01-30T19:19:00.000+01:00

Emarcy/Universal

Wenn man eine andere Sängerin verehrt, dann macht man irgendwann ein Tributealbum. Und wenn dieses auch noch gelingt, dann ist das ein ganz besonderer Moment.

Nina Simone war für viele Sängerinnen ein großes und oftmals auch unerreichbares Vorbild. Ihr Ausdruck war nämlich etwas ganz besonderes. Wenn sie sang, dann spürte man das Leben mit all seinen Facetten in jeder Silbe. Auch die im ostafrikanischen Malawi geborene Sängerin Malia nennt die Simone als ihr großes Idol. „Black Orchid“ hat sie ihr Tribut genannt, denn bei Nina Simone muss Malia – so sagt sie jedenfalls – immer an eine schwarze Orchidee denken. Obwohl stimmlich zwischen den beiden Sängerinnen ein großer Unterschied herrscht, so muss man „Black Orchid“ dennoch als gelungen bezeichnen. Malia trifft (überwiegend im gemäßigten Tempo und begleitet von einem sehr guten französischen Trio) die Diktion der Simone ganz gut, und gerade wenn man ihr junges Alter in Betracht zieht, so mag die Reife hier erstaunen. Entstanden ist ein faszinierend sinnliches und trotz der wohlbekannten Titelauswahl („My Baby Just Cares For Me“, „I Loves You Porgy“ oder „Four Women“) eigenständiges Werk dieser Künstlerin. Auf Malias Deutschlandtournee im März darf man also gespannt sein!

Hier das Video zu "My Baby Just Cares For Me":

Malia im Netz (deutsche Seite): www.jazzecho.de/malia

Emarcy/Universal Records im Netz: www.universal-music.de

Angehört: Mehl Consortium „City Views“

2012-01-26T11:49:00.000+01:00

JAW013

Kann eine CD gleichzeitig kompromisslos modern und doch auch altmodisch sein? Das Mehl Consortium macht mit „City Views“ einen gewagten Spagat.

Dies ist also der neueste Streich der Gebrüder Magnus und Ferenc Mehl. „City Views“, also Stadtansichten, besser gesagt Stadtgeschichten präsentiert uns das Mehl Consortium. Dabei handelt es sich nicht nur um eine Stadt, sondern um diverse Städte rund um den Globus, in die Magnus und Ferenc Mehl ihre Fußstapfen gesetzt haben. Man startet auf Coney Island, fährt auf der Donau an Novi Sad vorbei, kurvt mit dem Fahrrad in Amsterdam herum oder sieht den Regen in Köln und genießt den Herbst in Stuttgart. Die Musik, mit gleich drei Bläsern (Magnus Mehl, Saxophone, Axel Schlosser, Trompete, und Felix Fromm, Posaune) und erweiterter Rhythmusgruppe (Rainer Böhm, Piano, Phillipp Tress, Gitarre, Fedor Ruskuc, Bass, und Ferenc Mehl, Schlagzeug) klingt modern - man möchte fast sagen typisch modern - aber darunter mischen sich nostalgische Töne, die an längst vergangene Zeiten erinnern. So ist diesem Septett das überaus seltene Kunststück gelungen, die Erinnerungen an etwas Vergangenes mit den musikalischen Mitteln der Moderne UND der Vergangenheit in die Gegenwart hinüberzuretten, sie lebendig zu erhalten sowie die nostalgische Verklärtheit mit Schwung und Esprit wegzuwischen. Dass die Mauik dabei auch noch Spaß macht erklärt sich von selbst. Kopfkino für Weltenbummler inbegriffen.

Mehl Consotium im Netz: www.magnusmehl.com

Jawo Records im Netz: www.jawo-records.de

Angehört: Tania Maria „Tempo“

2012-01-24T14:13:00.001+01:00

Naive

Was für ein traumhaftes Duo hat sich hier zusammengefunden! Nur Piano und Bass, dazu die betörende Stimme einer großartigen Sängerin. Eine nahezu perfekte Platte für die etwas ruhigen Stunden.

Um es vorweg zu sagen: der Name „Tempo“ ist schlecht gewählt, wenn man ihn im Sinne einer modernen Lebensweise übersetzt, denn schnell ist diese CD nicht. Wenn man „Tempo“ aber als musikalischen Begriff betrachtet, dann ist es nichts anderes als ein Zeitmaß. Und mit diesem Zeitmaß können die beiden beteiligten Musiker Tania Maria und Eddie Gomez mehr als galant umgehen. Ihre Mischung aus brasilianischen Tönen und einer feinen Jazznote ist absolut hörenswert, wobei sich beide nicht nur als jeweilige Meister ihrer Instrumente (bzw. Stimme) erweisen, sondern auch im Zusammenspiel bestens harmonieren. Diesem Zusammenspiel kann man stundenlang zuhören: während Tania Maria ihre melodiereichen, ja sonnigen Linien spielt, untermalt Eddie Gomez, dessen Zeit im Bill Evans Trio ihn auf ewig als DEN Begleiter von Pianisten etabliert haben, diese mit überaus farbigen Harmonien. Beide improvisieren abwechselnd mit viel Esprit, wobei sich die Rolle Begleiter / Leader des öfteren aufhebt, was sich besonders in den Vokal-losen Titeln der CD zeigt. „Tempo“ ist ein frühes Highlight im noch jungen Jahr und macht Laune auf den Frühling. Brazil Jazz at it`s best!

Tania Maria im Netz: www.taniamaria.org

Naive im Netz: www.naive.fr

Thema: „ I had to find a groove of my own“ - Der Pianist Horace Parlan wird 80

2012-01-19T13:30:00.000+01:00

Es gibt Musiker, die werden schon zu Lebzeiten vergessen, unberechtigeterweise. Horace Parlan gehört mit Sicherheit dazu. Es ist an der Zeit, diesen Musiker neu zu entdecken.

Wer ihn einmal gesehen hat, der vergisst ihn nicht wieder. Wie kann man mit einer verkrüppelten rechten Hand so Piano spielen? Horace Parlan, am 19. Januar 1931 in Pittsburgh geboren, hat seine eigene Technik entwickelt. Nein, er hat sie entwickeln müssen, nachdem er im Kindesalter an Polio, der Kinderlähmung, erkrankte. Seine rechte Hand blieb daraufhin nur eingeschränkt funktionsfähig. Aus der Not machte Parlan eine Tugend und fand, inspiriert duch Ahmad Jamal und Horace Silver, zu einer eigenen Spieltechnik. „Ich kann nicht so wie Tatum oder Peterson spielen“, sagte er einmal. „ich musste meinen eigenen Groove finden. Einfachheit war die Devise.“ Diese Einfachheit führte ihn zu einem individuellen Stil mit dominierender linker Hand und rhythmischer Rechten.

Horace Parlan hatte schon als Kind Klavierunterricht, aber erst mit rund 20 Jahren, als die Polioerkrankung ihm schon zugesetzt hatte, fand er richtig zu seinem Instrument. Ab 1952 spielte er in lokalen Bands in Pittsburgh, wo er unter anderem auf Cannonball Adderley oder Clifford Brown traf. Nach seiner Übersiedlung in den Big Apple spielte er bei Charles Mingus und wirkte an den Aufnahmen zu „Mingus Ah Um“ (1959) mit. Ein Jahr später folgte mit „Speakin` My Piece“ die erste LP unter eigenen Namen. Es folgten Aufnahmen und Tourneen mit Dexter Gordon, Slide Hampton und Roland Kirk, bevor er 1973 nach Kopenhagen übersiedelte.

„Die Rockmusik hatte alles verändert“, erinnerte sich Parlan einmal in einem Interview, „und es gab kaum noch Jobs.“ Dies und der alltägliche Rassismus in den Staaten waren der Grund für ihn, sein Glück in Europa zu suchen. Auf einer Tour mit Miriam Makeba landete Parlan schließlich in Kopenhagen – und blieb. Er war nicht der einzige amerikanische Jazzmusiker zu der Zeit in der Stadt: Dexter Gordon, Ben Webster, Kenny Drew, Ed Thigpen oder Sahib Shihab waren ebenfalls dort. Und das „Montmartre“ war damals wohl der angesagteste Klub in Europa.

Die Liste der Musiker, mit denen Horace Parlan gespielt hat, ist endlos: neben den bereits genannten spielte er mit Zoot Sims, Al Cohn, Red Rodney, Frank Foster, Red Mitchell, Benny Carter, Thad Jones und immer wieder im Duo mit Archie Shepp. Und trotzdem blieb Horace Parlan ein sogenannter „musician`s musician“: bewundert von anderen Musikern, von der Öffentlichkeit beinahe vergessen, vor allem, seit er selbst nicht mehr spielen kann. Horace Parlans Gesundheitszustand hat sich in den letzten Jahren verschlechtert, er ist mittlerweile auf den Rollstuhl angewiesen. Eine zusätzliche Diabeteserkrankung, die zur fast vollständigen Erblindung geführt hat, macht ihm ebenfalls zu schaffen. Was aber bleibt, ist seine Musik, an der Horace Parlan auch mit 80 Jahren immer noch regen Anteil nimmt.

Angehört: MenschMaschine „Hand Werk“

2012-01-19T11:13:00.000+01:00

meta 061

Kann man die Musik der Elektro-Popband Kraftwerk auf akustischen Instrumenten nachspielen? Man kann. Macht das überhaupt Sinn? Macht es, zumindest im Fall von MenschMaschine.

Wer kennt sie nicht, die Stücke „Autobahn“, „Computerwelt“, „Trans Europa Express“ und nicht zuletzt natürlich „Das Model“? Die Band Kraftwerk leistete Pionierarbeit auf dem Feld des Elektro-Pop, und ihre monotonen, aus vielen Wiederholungen bestehenden Musikstücke, die sich so mühelos in die Gehörgänge gefressen haben, sind einfach Kult. Das Quartett MenschMaschine aus der Schweiz hat sich dieses Materials bemächtigt und es in einen akustischen Kontext umgesetzt. Dies gelingt, auch dank ausufernder Improvisationen, ohne das Vorbild zu beschädigen. Vielleicht zum ersten Mal kommt man so in den Genuss, den elektrischen Computersound der Originale mit Piano, Saxophon, Bass und Schlagzeug präsentiert zu bekommen. Und bis auf „Das Model“ kommt man hier auch völlig ohne Gesang aus. Dem Wiedererkennungswert der Titel tut das allerdings keinen Abbruch. MenschMaschine behält den Respekt vor den übergroßen Vorbildern, entwickelt die Songs jedoch durch eigene Einfälle weiter. Der Transport in die Gegenwart gelingt.

MenschMaschine im Netz: www.menschmaschine.ch
Meta Records im Netz: www.metarecords.de

Angehört: Dieter Ilg „Otello Live At Schloss Elmau“

2012-01-18T12:20:00.002+01:00

ACT 9522-2

Wie bereits auf seinem letzten Studioalbum „Otello“ widmet sich der Bassist Dieter Ilg im Verbund mit seinen kongenialen Partnern Rainer Böhm (Piano) und Patrice Heral (Schlagzeug) auch auf seiner neusten Einspielung wieder dem Werk des italienischen Komponisten Giuseppe Verdi.

Diesmal ist der Schauplatz das Schloss Elmau, wo Ilg bereits 2008 sein Soloalbum „Bass“ einspielte. „Otello Live At Schloss Elmau“ bietet und hält genau das, was der Titel verspricht: eine szenenhafte Umsetzung der Oper in den Kontext der Jazzimprovisation. Dass diese gelungen ist, ist nicht zuletzt Ilgs langer Liebesbeziehung zum Otello geschuldet, sondern auch seiner klugen Materialauswahl. Die wunderbar dunklen Bassmotive bearbeitet er zu drohenden, fast übersteigerten Impressionen, die uns das Leid der Desdemona und die rasende Eifersucht des Otello nahe bringen. So funktioniert diese ursprüngliche Oper auch ohne eine einzige Arie, wenngleich der intrigante „Jago“ in moderner Manier knurrend gerappt wird. Mit „Otello Live At Schloss Elmau“ geht Dieter Ilg erneut zurück zu seinen Anfängen als klassischer Bassist der Freiburger Hochschule, wenngleich er den Klassiker in sich längst übertroffen hat. Zu weit sein Spektrum, zu groß seine Neugier. Diese Eigenschaften aber prädestinieren ihn allerdings erst zu einer erneuten Annäherung an seine Wurzeln und an den Otello im Besonderen. Erst hier, so scheint es, kann Dieter Ilg sein ganzes Können voll ausschöpfen.

Dieter Ilg im Netz: www.dieterilg.de

ACT Music im Netz: www.actmusic.com

Angehört: Solveig Slettahjell „Antologie“

2012-01-17T17:53:00.000+01:00

Emarcy/Universal 60512800927

Am Anfang war das Klavier im Wohnzimmer der Eltern, auf dem sie als junges Mädchen nach der Schule die Musik aus dem Radio nachspielte und dazu sang.

Auf kindliche Weise versuchte Solveig Slettahjell sich die Melodien zu erschließen. Aus dem Hobby wurde eine Passion, aus der Passion erwuchs der Beruf einer ernstzunehmenden Sängerin, als die sie heute schon längst aus dem Schatten ihrer einstigen Vorbilder herausgetreten ist. „Antologie“ ist vielleicht ein Schritt zurück in diese warme Geborgenheit der vergangenen Kindheit, vielleicht auch ein Schritt zurück in das Wohnzimmer der Eltern. Zurück auf „Los!“, ohne Netz und doppelten Boden, auch wenn sie das Klavierspielen mittlerweile ihrem Partner Morten Qvenild überlässt. Die Musikauswahl ist wie eine Retrospektive, angefangen bei den Stones über Nick Drake bis hin zu Tom Waits. Dazwischen natürlich Radiohead (keine andere Popband wird so oft von Jazzmusikern gecovert) und mittendrin natürlich ABBA, deren Musik in Solveigs jungen Jahren dauerpräsent war. Als eklektisch bezeichnet die Sängerin ihr neues Werk, und eklektisch im besten Sinne ist es vielleicht auch – man höre nur das intensive „Saddest Song I`ve Got“, im Original von Annie Lennox, oder den Opener „Wild Horses“ der Stones. Das Rauschen und Knacken in einigen Titeln verstärkt den Eindruck einer alten, morbiden, in der Zeitschleife gefangenen Reproduktion. Und doch ist es ein ganz und gar eigenständiges Werk aus altbekannten, vertrauten Melodien.

Hier das Video zu "Wild Horses":

Solveig Slettahjell im Netz: www.solveigslettahjell.no

Emarcy/Universal im Netz: www.universal-music.de

Angehört: Kerberbrothers Alpenfusion „Rising Alps“

2012-01-16T12:44:00.000+01:00

JAW014

Wer den Sound der Alpen bisher nur mit bajuwarischer Blasmusik gleichgesetzt hat, der ist beim Album der Kerberbrothers gleich im ersten Titel auf dem „Holzweg“.

Damit beginnt nämlich ein überaus bunter und verquerer Ausflug in die Welt der Alphörner, Zithern und Hackbretter, der mit „normalem“ Instrumentarium angereichert wird. Der „Holzweg“ führt somit direkt aus dem bayrischen Wald nach Südamerika. Und natürlich gehört auch ein zünftiger Jodler zum Repertoire. „Transglobaler Alpenjazz“ nennen die drei Kerber Brüder ihre Musik, die eine wilde Mischung aus Volksmusik, Jazz und südamerikanischen oder indischen Einflüssen ist. Selbst vor klassischen Ausflügen macht die insgesamt fünfköpfige Band nicht halt („Den Bach hinunter“). Wer meint, das alles passt nun überhaupt nicht zusammen, der wird bei dieser Alpenfusion vom Gegenteil schnell überzeugt sein. Aufgenommen wurde „Rising Alps“ zudem live, und somit kann sich der geneigte Hörer ebenso davon überzeugen, dass diese Musik sehr wohl für die Bühne geeignet und nicht nur eine reine Soundtüftelei im Studio geworden ist. Wer das Besondere sucht, der wird bei diesem hochvirtuosen Album mit Sicherheit fündig werden.

Kerberbrothers Alpenfusion im Netz: www.kerberbrothers.de

Jawo Records im Netz: www.jawo-records.de

Angehört: Fjoralba Turku „Serene“

2012-01-13T11:57:00.000+01:00

Traumton 4563

Was für ein Beginn! Diese Stimme! Nur vom Bass begleitet durchdringt sie einen, geht durch Mark und Bein. Ein dunkel dräuendes Versprechen ist „Living, Just Living“, der Einstieg in die mal heitere, mal melancholische Welt der Fjoralba Turku.

Nach dem schon überraschenden Debüt „Joshua“ hat sich die Sängerin mit albanischen Wurzeln auf ihrer zweiten CD „Serene“ weiter geöffnet, ist in den nur eineinhalb Jahren, die zwischen beiden Werken liegt, hörbar gereift. Ihr Alt schwebt sozusagen über den verzaubernden Melodien. Nur am Kontrabass findet Fjoralba Turku immer wieder einen Halt, eine Stütze. Ihre Geschichten berühren, selbst wenn sie in einer fremden Sprache gesungen werden („Valz I Lumturis“ oder „Lulzoj Fusha“) und die Texte bzw. deren Übersetzung leider nicht im Booklet enthalten sind. Also lässt man sich von der Stimmlage leiten, die gleichwohl in tiefe Abgründe als auch in rauschende Höhen führt. „Joyfully“ zum Beispiel ist fröhlich, fast überschwänglich geraten, ein wilder Ritt über ungrade Metren, „Marrakech“ hingegen gleitet mühelos in die freie Improvisation, bevor Fjoralba Turku ihr Quintett mit leisen Tönen wieder zur Ordnung ruft. Schamanenhaft klingt das unaussprechliche „Kno Mi Qyqe Se Po Vjen Behari“, bis sich auch hier die pure Lebenslust Bahn bricht. Aber nicht nur stimmlich, auch im Songwriting hat sich die Sängerin vorgewagt: rund die Hälfte aller Texte stammen aus ihrer Hand oder wurden von ihr mit verfasst. Und über ihre exzellenten Begleiter auf dieser CD kann man sich auch nur freuen: Florian Trübsbach am Saxophon, Tal Balshai am Piano, Jonas Burgwinkel am Schlagzeug und Paulo Cardoso am Bass (er ist auch für die meisten Arrangements verantwortlich) agieren so homogen, als würden sie seit Jahren zusammen spielen.

Die CD endet schließlich, wie sie beginnt: Stimme, vom Bass begleitet, durchdringend und düster, jedoch voller Leben, das Ganze aufgebrochen von Schlagzeug und gelegentlichem Saxophon. Dann schließlich Stille. Die Fernbedienung in die Hand nehmen und die Play-Taste fest gedrückt halten, immer wieder. Was für eine CD!

Hier ist das Video zu "Indian Summer":

Fjoralba Turku im Netz: www.fjoralbaturku.com

Traumton im Netz: www.traumton.de

Angehört: Do X Memorial Big Band „New Destination“

2012-01-11T14:43:00.000+01:00

Chaos CACD8370

Eigentlich ist an dieser Produktion nichts falsch. Sie ist solide, bietet eine gute Big Band mit einer anhörbaren Sängerin und guten Arrangements. Der Beginn aber missglückt.

Keine Ahnung, was die Macher geritten hat, ausgerechnet das Stevie Wonder Cover „Superstition“ an den Anfang der CD zu stellen. Diese Version überzeugt einfach nicht, weder gesanglich noch vom Gesamteindruck. Zu brav, da wurden zahlreiche Möglichkeiten vergeben. Als Gegenbeispiel sei hier nur das raue „Smack Dab In The Middle“ genannt. Aber dann wird es zum Glück besser. „Punta del Sol“ von Dave Gruisin klingt schon nach mehr. Die Do X Memorial Band, benannt nach dem gleichnamigen Flugzeug der Dornier Werke, zeigen hier und auch in den folgenden Titeln ihren geschmackvollen Umgang mit den zumeist bekannten Melodien aus Pop und Jazz. Denn mehr noch als auf den Vorgängeralben bricht sich die Big Band hier Bahn in Richtung populärer Musik. Und der eingesetzte Frauenchor zoffvoices bringt eine frische Klangfarbe hinein. Je länger das Album allerdings dauert, desto mehr lässt man sich einlullen vom geschmeidigen Sound. Und doch will der berühmte Funke nicht so recht überspringen. Etwas fehlt: der Mut, sich weiter von den Melodien zu lösen etwa, oder weniger durchgestylte Arrangements. Wie gesagt, das Album ist solide, auf Dauer aber auch ein bisschen langweilig.

Do X Memorial Big Band im Netz: www.dox-memorial-bigband.de

Chaos im Netz: www.chaosrecords.de

Angehört: Florian Fleischer Quintett „Verzücken“

2012-01-10T16:19:00.000+01:00

Neuklang NCD4060

„Verzücken“ ist ein altes Wort, ein schönes noch dazu. Kaum zu glauben, dass ein junger Musiker gerade diesen Ausdruck gebraucht, um seine Begeisterung kund zu tun. Die Begeisterung heißt – Berlin.

Dabei wohnt Florian Fleischer noch gar nicht so lange in der Metropole, aber die Stadt scheint es ihm angetan zu haben. Als fünfteilige Suite muss man den Opener „Berlin“ ansehen, als tiefes Eintauchen in die Atmosphäre der Stadt und deren Durchdringung. So steht denn auch die „Klarheit“ am Ende der Suite. Florian Fleischer, selbst Gitarrist, lässt seinen Mitspielern dabei allen erdenklichen Freiraum. Er selbst hält sich vornehm im Hintergrund, stets präsent und wachsam. Erstaunlich diese Zurückhaltung eines jungen Musikers, dessen elegische Kompositionen Eindruck hinterlassen. Sein Sound hingegen ist unaufdringlich, klar, aber nicht unverbindlich. Und trotz der eher traditionellen Besetzung mit Saxophon (großartig hier: Jens Böckamp) und Piano-Bass-Schlagzeug Rhythmusgruppe entsteht ein durchaus moderner, dynamischer Gruppensound, der trotz allem seine Spontanität behält. „Verzücken“ ist dabei nicht die völlige Neuerfindung des Jazz, aber man kann sich durchaus davon verzücken lassen. Ein gelungenes Debüt!

Florian Fleischer im Netz: www.florian-fleischer.de

Neuklang im Netz: www.neuklangrecords.de

Thema: Deutscher Jazz in der Krise?

2012-01-10T14:17:00.000+01:00

Die Diskussionen um die Standortbestimmung des deutschen Jazz reißen nicht ab, wie unlängst die Berichterstattungen in der ZEIT (Wo bleibt der deutsche Jazz?) oder im SPIEGEL („Highway To Hell“ als Klavier-Geklimper) gezeigt haben. Auch hier im Blog wurde das Thema, wenn auch etwas allgemeiner, schon behandelt (Wie wichtig ist Jazz?).

Und nun gibt es gleich eine ganze Initiative, die sich zum Ziel gesetzt hat, die Rahmenbedingungen für den Jazz zu verbessern. „Initiative für einen starken Jazz in Deutschland“ nennt sich ein Aufruf mit Unterschriftenaktion von Jazzmusikern, der sich bemüht, dem Jazz zu mehr Geltung zu verhelfen. Denn „Jazz aus Deutschland ist lebendig, vielfältig und spannend“, sagen die Initiatoren. Nur die Bedingungen, zu denen er gespielt wird, seien nicht in Ordnung. Der Jazz führt „eine Randexistenz und wird weder gesellschaftlich noch kulturpolitisch ausreichend anerkannt und gewürdigt “, heißt es weiter.

Da wären zum einen die Gagen: 50 Euro für einen Abend sind durchaus normal, wie aus der Szene zu hören ist, manchmal gibt es selbst die noch nicht – dann wird für den Eintritt gespielt. Der Jazzmusiker wird so zum Risikounternehmer mit Hang zur Existenznot. Auch eine angemessene Unterkunft, Verpflegung und die Erstattung von Fahrtkosten stellen ein Problem dar, vom Mangel an Spielstätten für Jazz ganz zu schweigen. Aber sind diese Themen nicht schon seit Jahren bekannt? Warum also erst jetzt ein solcher Aufruf? „Wir haben das Gefühl, dass die Zeit richtig ist sich neu zu formieren,“ sagt die Pianistin Julia Hülsmann, Mitinitiatorin und Erstunterzeichnerin des Aufrufs. „Viele Jazzmusiker denken inzwischen viel politischer als noch vor einigen Jahren. Um wirklich etwas bewegen zu können braucht man viele Musiker. Und wir denken wir könnten einige zusammenbekommen um einen neuen Impuls zu geben.“ Gefordert wird daher auch ein „Konzert-Mindestlohn pro Musiker“, wobei noch zu klären ist, in welcher Höhe sich dieser bewegen soll. Angst, dass deshalb einige Veranstalter sich ganz vom Jazz lösen, hat Julia Hülsmann nicht: „Jazzmusiker brauchen Veranstalter, damit sie spielen können. Deswegen ist eine unserer Forderungen Spielstätten zu fördern.“ In Deutschland gibt es 84 staatlich geförderte Opern- und Konzerthäuser – in Zukunft, so wünscht es sich die „Initiative für einen starken Jazz in Deutschland“, soll es genauso viele staatlich geförderte Jazz-Spielstätten geben, als Vorbild wird das „Bimhuis“ in Amsterdam genannt. Woher das Geld dafür kommen soll, ist für Julia Hülsmann jedenfalls klar: „Wir sehen eine unserer Aufgaben darin, den Staat an seine Verantwortung zu erinnern. Kulturförderung ist unabdingbar.“

Im Moment wirkt einiges in dem aufgestellten Forderungskatalog noch etwas improvisiert, ganz passend zur Musik also. Man darf gespannt sein, wohin diese Initiative führen wird. Ein Aufruf an alle Musiker und Interessierte zu mehr Mitbestimmung in eigener Sache ist er aber jetzt schon. Er muss nur gehört werden.

„Initiative für einen starken Jazz in Deutschland“ im Netz: www.facebook.com/Jazzmusiker

Angehört: Albatrosh „Yonkers“

2012-01-09T12:11:00.000+01:00

Rune Grammofon RCD 2117

Spontan erinnert „Yonkers“ des Duos Albatrosh um Pianist Eyolf Dale und Saxophonist André Roligheten an die gemeinsamen Geniestreiche von Heinz Sauer und Michael Wollny, oder an die Zusammenarbeit von Greg Osby und Marc Copland. Dann aber offenbart sich eine verblüffend zerklüftete Klanglandschaft mit vielschichtiger Weite.

Manchmal scheint sich der Klang der beiden Instrumente aufzulösen, dann wieder gibt es großartige Unisonopassagen. Oder der Eine soliert, und der Andere tupft brillant farbige Soundkleckse darüber. Frei und ungebunden agieren Dale und Roligheten innerhalb der Melodien, so dass der Eindruck einer völlig freien Improvisation entstehen kann, die scheinbar nur zufällig in eine gemeinsame Tonfolge mündet. Dieser Eindruck ist so trügerisch wie falsch: Piano und Saxophon benutzen sehr wohl feststehende Kompositionen, die sie durch einfallsreiche und kluge Ideen aufbrechen und raffiniert reflektieren. Der so entstehende Eindruck einer weiten Landschaft ist dabei ein glücklicher Nebeneffekt. „Yonkers“ ist das Ergebnis einer ebenso spannenden wie entspannten Studiosession, die zwei Musiker im Einklang mit sich selbst zeigt. Großartiges Ohrenkino aus Norwegen!

Albatrosh im Netz: www.albatroshduo.wordpress.com
Rune Grammofon im Netz: www.runegrammofon.com

Angehört: Dennis Rollins „The 11th Gate“

2012-01-09T10:55:00.000+01:00

Motéma 233437

Sein Sound ist geschmeidig wie einst der von JJ Johnson oder Kai Winding. Nicht zu Unrecht gilt der Sohn jamaikanischer Eltern als DER Posaunist seiner britischen Heimat.

Seit rund 25 Jahren ist Rollins bereits aktiv, doch auch wenn er schon bei Jamiroquai, Blur, Sting oder Tom Jones spielte und nebenbei seine eigenen Formationen unterhielt (darunter Dee Roe und Boneyard), so ist sein elegantes Spiel immer noch eine Entdeckung. Geerdet im Funk präsentiert Dennis Rollins mit seinem Velocity Trio (dazu gehören Ross Stanley an der Hammond B3 und Pedro Segundo am Schlagzeug) einen basslastigen Retrosound, der nicht nur sofort ins Ohr dringt, sondern auch in die Beine fährt. Wer diesen so selbstverständlichen Groove liebt, den Rollins scheinbar mühelos aus seiner Posaune schüttelt, der kommt an „The 11th Gate“ nicht vorbei.

Hier das offizielle Video zu "Samba Galactica":

Dennis Rollins im Netz: www.dennisrollins.com

Motéma im Netz: www.motema.com

Thema: Bob Brookmeyer gestorben

2011-12-19T15:36:00.003+01:00

(dpa) Der Posaunist und Komponist Bob Brookmeyer ist im Alter von 81 Jahren gestorben. Laut einer Mitteilung auf der Webseite des Künstlers starb er in der Nacht zum Freitag, drei Tage vor seinem 82. Geburtstag.

Wie Brookmeyers Witwe der «New York Times» bestätigte, erlag der Musiker in seinem Haus in New London, New Hampshire, einem Herzversagen. Brookmeyers Hauptinstrument war die Ventilposaune, mit der er unter anderem gemeinsam mit Saxophonisten wie Stan Getz und Gerry Mulligan auf der Bühne stand. Ebenfalls ein begeisterter Pianist, brachte er 1959 ein Album mit Bill Evans heraus - bekannt wurde Brookmeyer aber vor allem als Komponist.

Seine Arrangements für Big Bands wie Mulligan's Concert Jazz Band und The Thad Jones-Mel Lewis Jazz Orchestra halfen in den 1960ern das Genre der Big Bands zu beleben. 1978 wurde er musikalischer Direktor der Lewis Big Band. In den frühen 80er Jahren verbrachte Brookmeyer viel Zeit in Europa, wo er weiter komponierte, mit Jazz-Ensembles in Deutschland, Dänemark und Schweden auftrat und das New Art Orchestra formierte.

In seiner Karriere wurde Brookmeyer acht Mal für den Grammy nominiert, gewann die Auszeichnung aber nie. 2006 erhielt er das NEA Jazz Masters Fellowship für sein Lebenswerk. Sein letztes Album «Standards» war vor einem Monat erschienen.

Bob Brookmeyer im Netz: www.bobbrookmeyer.com

Angehört: Meyer / Baumgärtner / Meyer „Melt“

2011-12-15T16:56:00.000+01:00

Traumton 233437

Ambient. Nein, doch eher Rock. Oder nein, es ist Jazz. Vielleicht. Wer in Schubladen denkt, der wird mit „Melt“ so seine Schwierigkeiten bekommen. Und das ist auch gut so.

Schwer zu fassen ist diese quirlig hybride Mischung aus fragmenthaften Figuren einerseits, und andererseits klaren, fast sachten Strukturen. Das Trio um die Gebrüder Peter und Bernhard Meyer mit Moritz Baumgärtner trifft sich manchmal im freien Fall, bricht aus einer gewohnten Ordnung aus, verschiebt die musikalischen Figuren gegen- und ineinander, mischt Komposition mit Improvisation zu einem unklaren Aggregatzustand. Ein Gitarren-Bass-Schlagzeug Verbund ohne klare Vorgaben. Wer tatsächlich gerade ein Solo abliefert ist manches Mal gar nicht so eindeutig. Das ist spannend und bricht mit gewohnten Hörmustern. Eine Reise mit offenem Ausgang, wo an jeder Biegung ein neuer Anblick zum Ausbruch animiert. Ihren Hörern machen es die Drei damit nicht einfach. „Melt“ taugt nicht als Hintergrundberieselung, dafür gibt es in diesem Dreierkosmos einfach zuviel zu entdecken. Ein totaler Gegenentwurf also zur heutigen „Klick-and-run“ Mentalität im Netz, wo ein Titel nach wenigen Sekunden weggeklickt wird, weil er zu anstrengend ist. Auf die Musik dieses Trios muss man sich einlassen. Am besten mehrfach und immer wieder von Neuem.

Peter und Bernhard Meyer im Netz: www.meyer-music.de
Traumton Records im Netz: www.traumton.de

Angehört: Benjamin Leuschner / Matthias Goebel „Two/One“

2011-12-15T15:08:00.000+01:00

Jazzsick Rec. 5045 JS

„Musik wird oft nicht schön gefunden / weil sie stets mit Geräusch verbunden.“ So lautet einer der berühmtesten (und oft falsch zitierten) Reime Wilhelm Buschs. Gerade bei Schlaginstrumenten denkt ein Jeder gleich an Lärm und Gewalt. Dabei besteht gerade hier die Kunst darin, durch einen subtilen Anschlag eine riesige Fülle an Tönen zu erzeugen.

Dieser subtilen Tonerzeugung kann man im Spiel des Duos Leuschner / Goebel getrost lauschen. Gerade die „Geräuscherstellung“ im Zusammenspiel von Vibraphon und Marimba sind an Raffinesse und harmonischer Dichte kaum zu überbieten. Aber auch wenn die beiden Musiker zu anderen Schlaginstrumenten greifen, so wird die CD selten laut. Alles bleibt reine Harmonie. Neben Arrangements der Jazzliteratur (Chick Corea) findet man Tango (Astor Piazzolla) oder klassisches (Steve Reich). Dazwischen reihen sich Eigenkompositionen, die sich in dieser Zusammenstellung nicht verstecken müssen. Einzig die beiden Live-Tracks zeigen, dass das Duo hier über ganz andere Energie verfügen kann. Trotzdem ist die CD auch all denjenigen zu empfehlen, die eine Schlagzeugphobie haben, denn: So entspannt dürfte man Perkussion in Reinkultur selten erlebt haben.

Benjamin Leuschner im Netz:www.benjaminleuschner.de
Matthias Goebel im Netz:http://matthias-goebel.com
Jazzsick Records im Netz:http://jazzsick.com

Angehört: Susi Hyldgaard „Dansk“

2011-12-12T11:27:00.003+01:00

Enja Yellowbird yeb-7722

Viel Freude haben uns die Dänen in diesem Jahr nicht bereitet. Man denke nur an die Wiedereinführung der Grenzkontrollen und den damit verbundenen Problemen der deutsch-dänischen Beziehungen. Zum Glück hat sich die Situation hier entschärft, und als Wiedergutmachung schickt man uns obendrauf die Sängerin Susi Hyldgaard.

Ausgerechnet die Hyldgaard also, bekannt für ihre permanenten Grenzübertretungen. Sie schert sich um keine Kontrollen, Vorgaben oder Einschränkungen. Sie sieht nur den offenen Horizont vor sich und die Möglichkeiten darin. Sie trägt weder das Etikett „niedliche nordische Sängerin in Blond“, noch bedient sie solche Klischees. Sie ist einfach sie selbst. Und das bedeutet eine wilde Mischung obskurer Soundtüfteleien, eine Kaperfahrt durch Jazz, Folk, Soul, Blues, Trip Hop und Pop – ohne Schiffbruch zu erleiden und an einem Felsen zu zerschellen. „Dansk“ heißt ihr neues Album und ist Bekenntnis und Widerspruch zugleich, denn „Dansk“ ist alles andere als ein typisch dänisches Album geworden. Auch wenn die Sängerin das natürlich ganz anders sieht. „Es ist leider nicht für jemand wie Sie,“ singt Susi Hyldgaard im Titel „Det` Dansk“. „It`s danish.“ Texte in Deutsch, Französisch, Englisch und natürlich Dänisch schlägt uns die Sängerin hier um die Ohren, manchmal auch alles zusammen in einem Song. Sie führt uns durch die anstrengenden Presswehen der „Geburt“ und wirft mit Komplimenten nur so um sich: „Sie hat Sauerkrautstampfer“ ist das garantierte Aus für jede Liebesbeziehung. Und die Musik klingt experimentell dazu, mal minimalistisch, mal farbenfroh orchestriert oder rhythmisch betont. Anspruch hat diese CD, oder anders ausgedrückt: Ist „Dansk“ zu stark, bist du zu schwach.

Susi Hyldgaard im Netz: www.susihyldgaard.dk

Enja im Netz: www.jazzrecords.com/enja

Thema: Verborgene Schätze ans Tageslicht gehievt

2011-12-09T15:41:00.000+01:00

Es gehört eine ganze Menge Courage dazu, in der heutigen Zeit ein neues Label aus der Taufe zu heben. Ganz besonders, wenn man damit die als besonders schwierig geltende Musikgattung Jazz bedienen möchte. Es muss also schon etwas besonderes aufgeboten werden, um potentielle Käufer in dieser kleinen Marktnische zu gewinnen.

Das Label Arthaus hat sich bisher überwiegend mit Klassik beschäftigt, nun hat es mit dem Sublabel Jazzhaus eine neue Sparte für sich entdeckt. Und es macht Sinn, denn durch eine Kooperation mit dem SWR hat man dort die Archive geöffnet und wahre Schätze gefunden. Live Konzerte vor allem, die zumeist nach nur einmaliger Ausstrahlung über den Äther im Keller Staub ansetzten. Rund 3000 Stunden Material auf Tonbändern und noch einmal 500 Stunden Film schlummerten und schlummern noch immer dort vor sich hin. Eine Mammutaufgabe also, große Ohren vorausgesetzt. Bisher jedenfalls liegen die ersten fünf Veröffentlichungen in sehr guter Soundqualität vor, und die lassen Großes erwarten.

Jazzhaus 101 700

Die Reihe „Legends Live“ beginnt mit einem wie immer sehr coolen und doch musikalisch hoch versierten Gerry Mulligan, der 1977 in der Liederhalle zu Stuttgart mit seinem Sextett ein grandioses Konzert gab. Natürlich durften die Klassiker „Line For Lyons“ und „My Funny Valentine“ nicht fehlen, die der schmächtige, aber dennoch gewichtige Baritonsaxophonist Anfang der 1950er Jahre mit dem Trompeter Chet Baker berühmt machten.

Jazzhaus 101 701

1978 gastierte die Schlagzeuglegende Art Blakey in Untertürkheim, und waren die glanzvollsten Zeiten der Jazz Messengers vielleicht schon vorbei, so lieferte er hier mit dem Bläserduo Valery Ponomarov (Trompete) und David Schnitter (Saxophon) ein schlagkräftiges Statement seiner musikalischen Weltsicht ab. Unterschwellig brodelnd, jedoch mit gefühlvollen Balladen durchzogen kommt der Hörer hier in den seltenen Genuss einer Liveaufnahme dieser kurzlebigen Besetzung. Und natürlich findet sich hier auch das ein oder andere Schlagzeugsolo in typischer Manier des Leaders.

Jazzhaus 101 702

Wie man ein Publikum begeistert, dass wusste Cannonball Adderley wie kein Zweiter. 1969 gastierte der Altsaxophonist in Stuttgart, und wieder lief das Band mit. Mit von der Partie waren Bruder Nat Adderley (Trompete), Joe Zawinul (Piano), Victor Gaskin (bass) und Roy McCurdy (Schlagzeug). Gleich mit der ersten Nummer „Rumpelstiltskin“ wurde der Stier bei den Hörnern gepackt. Bis zur obligatorischen Schlussnummer, der Hymne „Work Song“, führte das Quintett mit tiefgründigen Blues und Soul durch ein abwechselungsreiches Programm, bei dem garantiert niemand still auf seinem Stuhl sitzen geblieben ist.

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Neben der „Legends Live“ Serie gibt es auch eine „Bigbands Live“ Serie, die ebenfalls gleich mit zwei Schwergewichten aufwartet. Den Beginn macht hier das Duke Ellington Orchestra, dass am 06. März 1967 aufgenommen wurde. Erstaunlich die Kraft und Präzision, die Geschmeidigkeit und solostische Extrovertiertheit eines in die Jahre gekommen Orchesters, dass nichts von seiner Strahlkraft und Modernität verloren hatte. Kein Wunder bei dieser Besetzung: mit dabei waren unter anderem Cat Anderson, Cootie Williams, Paul Gonsalves, Johnny Hodges und Harry Carney.

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Die bisher älteste Aufnahme stammt vom Jahre 1959 mit dem Benny Goodman Orchestra. Goodman hatte die Sängerin Anita O`Day dabei, die insgesamt bei vier Titeln mitwirkt. Ansonsten gab es den üblichen typischen Goddman-Ablauf des Konzertes mit einem an „Sing Sing Sing“ angelehnten Medley am Ende. Und darüber, dazwischen und überhaupt die weiche und prägende Klarinettenstimme Goodmans.

Der Anfang klingt also vielversprechend und gibt Anlass zur Hoffnung auf viele weitere unerhörte Schätze der Jazzgeschichte. Es würde sich lohnen.

Jazzhaus Label im Netz: www.arthaus-musik.com

Thema: Nils Landgren wird neuer Leiter bei JazzBaltica

2011-12-01T17:22:00.003+01:00

Der schwedische Posaunist, Sänger und Komponist Nils Landgren wird neuer Leiter der JazzBaltica. Dies war auf der Internetpräsenz des Festivals zu lesen. Landgren wolle sich wieder mehr auf Künstler aus dem Ostseeraum konzentrieren und die JazzBaltica somit zurück zu den Wurzeln führen, hieß es zudem in einer Pressemitteilung. Landgren leitete bis zu diesem Jahr das Jazzfest Berlin.

Ab dem kommenden Jahr findet das internationale Jazzfestival auch an einem anderen Ort statt. Mit der Evers-Werft im Hafengelände der Gemeinde Timmendorfer Strand-Niendorf wurde eine neue Heimat gefunden, nachdem das bisherige Gelände nicht mehr zur Verfügung stand. Damit zieht JazzBaltica direkt an die „Baltic Sea“, den Strand der Ostsee.

Auch die Finanzierung des Festivals scheint vorerst gesichert. Die Gemeinde Timmendorfer Strand werde jährlich 75 000 Euro zum Etat beisteuern, sagte der stellvertretende Bürgermeister Rainer Steen. Nach Angaben des Intendanten des Schleswig-Holstein Musikfestivals - in dessen Rahmen die Jazz Baltica stattfindet - hat auch Kulturstaatsminister Bernd Neumann 150 000 Euro als Anschubfinanzierung für 2012 zugesagt.

JazzBaltica im Netz: www.jazzbaltica.de

Angehört: Geri Allen „A Child Is Born“

2011-11-28T16:04:00.000+01:00

Motéma MTM-69

Alle Jahre wieder gehört es zum guten Ton, dass ein weiteres, zumeist überflüssiges Weihnachtsalbum rechtzeitig zu den Festtagen auf den Markt kommt. Fast alle namhaften Künstler haben sich bereits daran versucht, und fast alle sind sie grandios gescheitert.

Nun ist es also die Pianistin Geri Allen, die sich im Februar und April dieses Jahres allein an den Flügel setzte, um ihren ausgesuchten Weihnachtsmelodien Leben einzuhauchen. Und, oh Wunder, es ist ihr gelungen. Der größte Vorteil dieses Albums liegt wohl darin, dass es Geri Allen nicht dabei belässt, die altbekannten Nummern abzuspulen, sondern sich die Mühe macht, nach weniger bekanntem Material zu suchen. So beginnt „A Child Is Born“ mit „Angels We Have Heard On High“, welches die Pianistin durch eine ostinatohafte Bassfigur der linken Hand verdichtet. Es folgt ein wunderbares „A Child Is Born“, einem Hank Jones gewidmetem Titel, der auch ganz in seinem Sinne durch eine lässige Eleganz getragen wird. Gänzlich ungewöhnlich und faszinierend ist das „O Come, O Come; Emmanuel“ mit gesampelten Stimmen, die diesen Titel dadurch noch eindringlicher werden lassen. Natürlich findet man auf „A Child Is born“ auch sehr bekannte Stücke: „We Three Kings“, „Little Drummer Boy“ oder „Amazing Grace“ gehören in diese Kategorie. Doch auch hier findet Geri Allen eine eigene Erzählweise und eine lockere Form der Improvisation, die nicht langweilig wird. Dieses Weihnachtsalbum kann man sich getrost unter den Weihnachtsbaum legen.

Gerri Allen im Netz: www.geriallen.com

Motéma Music im Netz: www.motema.com

Angehört: Sidony Box „Pink Paradise“

2011-11-25T14:22:00.000+01:00

Naive NJ 621411

Zerklüftet wie eine Felsenküste in der Brandung – so klingen Sidony Box zu Beginn ihrer „Pink Paradise“ CD. Endlos scheint die Brandung gegen die Felsen anzurennen, um dann sanft ins endlose Meer zurück zu fließen.

Aber spätestens im dritten Titel, nach dem hypnotisch trancehaften, kommt eine Menge Punk durch und Sidony Box klingen wie ein Gutbucket Bastard mit krachiger Energie und rauer Kraft. Um dann sogleich wieder abzutauchen in ruhigere Gewässer. Wer nun meint, das Trio könne sich nicht entscheiden, der irrt. Gitarrist Manuel Adnot, Saxophonist Elie Dalibert und Schlagzeuger Arthur Narcy haben nur völlig verschiedene Musikauffassungen, die sie hier aber unter einen Hut bringen müssen. Marc Ducret, die Deftones, Radiohead, dazu Trance und auch traditioneller Jazz wird von den Dreien als Einfluss genannt. Dass das klappt, davon konnten sich schon die Besucher beim diesjährigen Jazzdor Festival in Berlin überzeugen. Vom versprochenen „Pink Paradise“ bleibt jedenfalls nach dem Hören der CD nicht viel übrig, Lärmend wird dieses Paradies immer wieder lustvoll zerstört, um im nächsten Titel erneuert aufzuerstehen. Eine CD wie die Gezeiten, ein Sturm, ein Hauch, brutal direkt und dabei so trügerisch schmeichelnd wie eine untreue Geliebte. Ein Widerspruch? Nein, Sidony Box.

Sidony Box im Netz: www.myspace.com/sidonybox

Naive Music im Netz: www.naive.fr

Angehört: Denis Colin & la Société des Arpenteurs „Subject To Live“

2011-11-25T12:31:00.002+01:00

Le Chant du Monde/Métisse Music

Nach diversen Trioaufnahmen hat sich der französische Bassklarinettist Denis Colin auf den letzten beiden Veröffentlichungen mit La Société Des Arpenteurs nun gleich in ein Nonett gewagt. „Subject To Live“ ist der neueste Streich, und eine livehaftige Fortsetzung des Vorgängers „Subject To Change“.

Entstanden ist die CD während der letzten Tour durch Frankreich, als die „Gesellschaft der Landvermesser“ musikalisch unterwegs war. Die CD beginnt mit Sonny Rollins` „Jungoso“, wo Denis Colin gleich seine ganze Geschmeidigkeit auf der Bassklarinette zeigt. Ein hallendes Hammond setzt dazu kontrapunktisch einen typischen 70er Jahre Retrosound, bevor sich die ganze Komposition in dichten Improvisationen auflöst. Es folgt das tänzelnde „Danse De Chevet“ mit einen schönen Trompetensolo von Antoine Berjeaut. Und so geht es weiter durch diese kurzweilig, weil spannende Aufnahme, die ein sehr homogenes und eingespieltes Nonett in bester Spiellaune zeigt. Denis Colin selbst drängt sich nicht in den Vordergrund, fällt aber immer wieder durch sein sanftes, aber kräftiges Spiel auf, selbst beim überaus noisigen „Par Cheminement“. Die Société Des Arpenteurs zeigen auf dieser Einspielung, dass sie ihr Land sehr großzügig abstecken und gerne auch in fremden Revieren wildern. Ein Anspieltipp zum Schluss: das orientalisch, mit knarzigem Tönen unterlegte, aber doch sehr sanfte „Turkish Women At The Bath“ ist für mich ein Highlight dieser wunderbaren CD.

Denis Colin im Netz: www.deniscolin.com

Métisse Music im Netz: www.metisse-music.com

Angehört: V.A. „Jazz Inspiration“

2011-11-24T17:22:00.015+01:00

„Jazz Inspiration“ nennt sich eine Serie von bisher 9 Einzelveröffentlichungen mit Originalaufnahmen der Labels Blue Note, Pacific Jazz, Capitol Jazz, Somethin` Else, Roulette Jazz und deren diverser Sublabels. Angesiedelt ist die Reihe im „nice price" Segment, und entgegen mancher schnell zusammengeschusterter Best-Of`s wird hier tatsächlich Wert auf gute Aufnahmequalitäten gelegt, was sich auch darin zeigt, dass viele Musiktitel in remasterter Form enthalten sind. Vier Künstlerportraits und fünf Themenkopplungen machen den Anfang.

Herbie Hancock

Die erste CD ist Herbie Hancock gewidmet, der gerade in den 1960er Jahren neue Maßstäbe im modernen Jazz setzte. Und so enthält seine „Inspiration“ CD auch nur Aufnahmen aus dieser Zeit. Beginnend mit „Watermelon Man“ über „Cantaloupe Island“ bekommt man die bekanntesten Melodien des Pianisten zu hören. Sein Groove und seine Songs haben über die Jahre nichts von ihrem Reiz eingebüßt, und wie komplex manche Rhythmen auch aus heutiger Sicht erscheinen, dass zeigt z.B. der Titel „Succotash“. Wie bei allen anderen Künstlerportraits auch, so gilt hier der Leitsatz: Wer die Originalaufnahmen aus der Zeit schon besitzt, der braucht diese CD nicht, für Neulinge aber ist sie ein guter Einstieg in die Welt des Pianisten.

Miles Davis

An ihn kommt man einfach nicht vorbei. Wer sich auch nur entfernt mit Jazz beschäftigt, der wird früher oder später immer auf den Trompeter stoßen. Seine „Inspiration“ CD umfasst leider nur die Zeit von 1949 mit den „Birth Of The Cool“ Aufnahmen bis 1958 im Cannonball Adderley Quintett. Auch hier gute Aufnahmen, aber auch große Lücken. Kein Ton der Kollaboration Mitte der 1950er Jahre mit dem Saxophonisten John Coltrane oder den Modern Jazz Giants. So bleibt ein etwas dürftiger Einblick in das Werk dieses genialen Musikers. Schade, hier wäre mehr möglich gewesen!

Michel Petrucciani

Diese CD ist eine Überraschung! Zwar bietet auch sie kein neues Material, aber allzu leicht wird dieser kleine Mensch, der musikalisch ein ganz Großer war, schon heute gerne vergessen. Petrucciani, Zeit seines Lebens durch eine schwere Glasknochenkrankheit und einer damit einhergehenden Kleinwüchsigkeit gehandicapt, entwickelte einen eigenen Pianostil, der bei seinen Mitmusikern geschätzt und von den Hörern geliebt wurde. Seine Musik enthält so viel Wärme, so viel Klang und Begeisterung, und entwickelt dabei eine solche Tiefe, die heutige Musiker oft vermissen lassen. Die hier vorliegende Zusammenstellung beweist wieder einmal, welch riesige Lücke der 1999 im Alter von nur 37 Jahren verstorbene Franzose hinterlassen hat. Grandios!

Count Basie

Solide wie das Werk William Basies ist auch diese CD geraten. Seine Musik kann man sich heutzutage immer noch Zehen wippend an- und dem unglaublichen Drive dieses Orchesters fasziniert zuhören. Kein „Muss“ ist diese CD, denn hier gibt es für kleines Geld wesentlich bessere Zusammenstellungen, aber ein „Kann“.

Blue Note Sings

Vielleicht die eingängigste CD der Reihe. 14 Pop Songs gesungen von weiblichen Vertretern der Sangeszunft. Mal mehr, mal weniger jazzig, findet hier der poppig vorbelastete Hörer einen leichten Einstieg in die Materie, bei der ich das Wort Jazz wirklich nur sehr verhalten ansetzen würde. Norah Jones, Holly Cole, Patricia Barber, Robin McKelle (mit dem wahrlich furiosen Opener „Abracadabra“ der Steve Miller Band) zeigen die Richtung dieser CD auf. Keine Ella, keine Sarah, keine Dinah und keine Nina, keine Billie, keine Carmen – schade, schade. Sollten alle diese hervorragenden Künstler niemals für Blue Note (und deren Sublabels) aufgenommen haben? Man kann es kaum glauben.

Big Band Jazz

Unangenehm fällt als erstes die Doppelung des Eröffnungstracks mit dem Opener der Count Basie „Inspiration“ CD auf. „The Kid From Red Bank“ findet sich nämlich auf beiden CDs wieder. Davon aber abgesehen bietet dieser Silberling einen schönen Überblick über zumeist allseits bekannte Big Bands der goldenen Zeit. Man hört Ellington, Stan Kenton, Buddy Rich und viele andere, aber auch Neuerer wie Gil Evans sind darauf zu erleben. Durchaus hörbar, das Ganze!

Bossa Nova Jazz

Wie eng die Verbindung zwischen Bossa Nova und Jazz in der Vergangenheit gewesen ist, lässt sich auf dieser CD nachhören. Joe Henderson, Kenny Dorham, Hank Mobbley oder Cannonball Adderly: sie alle fanden einen Zugang zu dieser Musik. Viele Klassiker also, die man so in einer Zusammenstellung wahrscheinlich noch nicht gehört haben dürfte.

Female Vocal Ballads

Die Schar der Interpretinnen überschneidet sich mit der CD „Blue Note Sings“. Die Musik allerdings ist etwas mehr dem Bereich Jazz zuzuordnen und zeigt den „aktuellen“ Stand der weiblichen (Schmuse-)Vokalkunst auf. Aber auch hier hört man leider, dass Konzerne heute mehr vom Kommerz als von wirklich großer Kunst geleitet werden, denn markante Stimmen, die auch über die Haltbarkeitsgrenze des Songs im Ohr bleiben, sind rar auf dieser Kompilation.

Best Of Bar Jazz

Zum Schluss also doch noch eine „Best Of“ in der „Inspiration“ Serie. Und dann auch noch Bar Jazz, jenes schwammige und nicht genau zu definierende Etwas, dass einem in den meisten Fällen eher den Cocktail vermiest. Aber (hört, hört!) diese CD ist durchaus genießbar. Viktoria Tolstoy betritt die Bar auf „High-Heels“ (begleitet vom unvergessenen Esbjörn Svensson am Piano), während vorher Kenny Burell ein deftiges „Chitlin Con Carne“ gekocht hat. Kurt Elling schmettert ein „Never Say Goodbye“ und Miles Davis spielt obercool dazu. Luftig leicht bewegt man sich so durch den Raum und die Zeit wird vergessen mit der zunehmenden Leere des Glases. Santè!

Blue Note im Netz: www.bluenote.de

Thema: „Le grand batteur“ – Paul Motian gestorben

2011-11-23T13:08:00.000+01:00

Der berühmte Jazzschlagzeuger, Komponist und Bandleader Paul Motian ist tot. Er starb am Dienstag in einem Krankenhaus von Manhattan an den Komplikationen im Verlauf einer Knochenmarkserkrankung, erklärte der Tenorsaxophonist und langjährige Freund des Schlagzeugers, Joe Lovano. Motian wurde 80 Jahre alt.

Stephen Paul Motian, wie er mit vollständigem Namen hieß, wurde 1931 in Philadelphia geboren, wuchs aber in Providence, Rhode Island, auf. Im Alter von 19 Jahren ging er zur Navy. Den Militärdienst unterbrach er nur kurz für einen Besuch auf der Washingtoner Musikhochschule. Danach fuhr er wieder zur See, bis ihn die Navy 1953 in New York City stationierte. Die Stadt wurde zu seiner Wahlheimat, in der er auch seine wichtigsten Kontakte zur Musikszene knüpfte.

Seinen Durchbruch erlebte schließlich Motian Ende der fünfziger Jahre als Mitglied des Bill Evans Trios. Dort wirkte er bei den richtungweisenden Aufnahmen wie "Waltz for Debby" und "Sunday at the Village Vanguard" mit. In den siebziger Jahren gehörte er Keith Jarretts sogenanntem amerikanischen Quartett an. Ihn verband außerdem eine lange Zusammenarbeit mit dem Bassisten Charlie Haden und dem Gitarristen Bill Frisell.

Im Verlauf seiner langen, fast 50jährigen Karriere arbeitete Motian auch mehrfach als Bandleader. Insgesamt nahm er in dieser Funktion fast drei Dutzend Alben zumeist für das Münchener Label ECM auf. Mit zunehmenden Alter empfand er das Touren als Strapaze und war in den letzten Jahren nur noch in seiner Heimatstadt New York live zu erleben. Zuletzt trat er nach Angaben von Joe Lovano noch im September auf.

Angehört: Malcolm Braff „Inside“

2011-11-18T11:45:00.000+01:00

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Es gibt Platten, die bergen ein riesiges Überraschungspotenzial. Da kommen einem Töne zu Gehör oder werden Gefühle freigesetzt, die man lange nicht wahrgenommen und schon für verschüttet, ja verloren gehalten hat. „Inside“ von Malcolm Braff ist so eine Platte.

Bereits nach den ersten Tönen fühlt man sich in ein afrikanisches Dorf versetzt. Die Trommel schlägt in ungraden Vierteln, dazu eine spartanische Melodie vom Piano und ein lieblicher, von Herzen kommender Gesang. Und wenn der knackige Bass einsetzt, dann kommt wahrlich Bewegung in die Musik und in den Zuhörer. Diese Musik groovt wie der Teufel! Das bleibt auch in allen anderen Stücken dieser Einspielung so, mit überraschend funkigen Ausflügen, zu denen Bassmann Reggie Washington einen gehörigen Teil beiträgt. Lukas Koenig trommelt dazu in herrlich schiefen Metren, und Malcolm Braff selbst legt einen dunkel dräuenden Klangteppich unter die komplexe Rhythmik, während sein Pianostil entfernt an Abdullah Ibrahim erinnert. So sperrig die CD an vielen Stellen erscheint, so leicht ist sie doch zu hören und füttert Hirn und Bauch somit gleichermaßen. Auf dieses Werk kann man sich getrost einlassen: ein überraschtes „Oh!“ entfährt einem dabei öfter mal und zaubert ein fettes Grinsen ins Gesicht.

Malcolm Braff im Netz: www.malcolmbraff.net

ENJA Records im Netz: www.enjarecords.com

Angehört: Pedra Preta „Your Choice“

2011-11-17T13:00:00.000+01:00

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Wie oft kommt es vor, dass man am Tag die falsche Wahl trifft, und so manche Entscheidung kann einem den ganzen Tag total vermiesen. Das Schwarzbrot vom Mittagessen liegt einem schwer im Magen – ach hätte ich doch nur Brötchen gegessen, wie sonst auch! Der Kaffee schmeckt nicht, weil die Milch fehlt – hätte ich doch nur Tee gekocht! Die Heavy-Metal Musik passt überhaupt nicht zur Party – hätt` ich doch nur das Passende heraus gesucht...

Mit Pedra Preta bleibt einem diese Erfahrung zumindest musikalisch erspart. Wird auch der Name schnell zum Zungenbrecher (sprechen Sie den mal mehrfach schnell nacheinander!), so bleibt die Musik vom ersten Ton an im Ohr. Brasilianisches trifft auf Afrokubanisches trifft auf Jazz und produziert eine reizend wohltemperierte Melange mit tiefer, in sich ruhender Gelassenheit. Man mag kaum glauben, dass diese Musik tatsächlich aus den Schweizer Bergen kommt, allerdings mit einem echt brasilianischen Gitarristen und Sänger. Was dieses Trio aber zuwege bringt, ist äußerst genussreich und tanzbar. Eine Prise Samba, ein bisschen Bossa, ein Spritzer Choro, dazu selten gerade Metren und ein knackiger E-Bass mit leichtfüßigen Melodien. Wer „Your Choice“ wählt (am Besten schon zum Frühstück), dessen Tag kann nur in guter Laune enden!

Pedra Preta im Netz: www.pedra-preta.com

Unit Records im Netz: www.unitrecords.com

Angehört: Ernie Watts Quartet „Oasis“

2011-11-11T12:41:00.004+01:00

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Dieser Saxophonsound ist prägend, damals wie heute im Quartet West eines Charlie Haden. Eine unglaubliche Bandbreite beherrscht dessen Besitzer, vom gehauchten Flüstern bis zum ekstatischen Schrei, vom langen sanften Ton bis zum verzwickt wirbelnden Lauf mit diesen prägnanten Trillern am Ende in den hohen Registern.

Ernie Watts ist unbestritten ein sehr guter Saxophonist, vielleicht einer der Besten seines Fachs. Er hat mit seiner Musik eine Oase geschaffen, für sich und für seine Hörer. Hier kann man, bequem in der Hängematte liegend, diesem warmen Ton lauschen, sich wohlig an der Musik erfreuen, den Schauer spüren, der einem über die Haut läuft und durch sie hindurch geht. Auf seinem neuesten Werk „Oasis“ dürstet man regelrecht nach diesem Sound, den Watts geschickt aus verschiedenen Quellen nährt. Drei Eigenkompositionen sind zu hören, dazu zwei Titel aus den Händen seiner hervorragenden Begleitband mit Christof Sänger am Piano, Rudi Engel am Bass und Heinrich Koebberling am Schlagzeug. Dazu gibt es Neuinterpretationen von ein paar Klassikern wie „Shaw Nuff“ oder „Cresent“ von John Coltrane, die hier mit Lust zelebriert werden. Kein weichgespültes Programm also, sondern wirklich zupackende und begeisternde Musik, wahrlich geeignet, um auch in einer Oase keine Langeweile aufkommen zu lassen.

Ernie Watts im Netz: www.erniewatts.com

Laika Records im Netz: www.laika-records.com

Thema: Nominierungsphase für den ECHO Jazz 2012 beginnt

2011-11-10T15:47:00.000+01:00

Am kommenden Montag startet die Nominierungsphase für den ECHO Jazz 2012. Das gab der Bundesverband Musikindustrie e. V. (BVMI) heute in Berlin bekannt. Vom 14. November bis zum 5. Dezember 2011 können Tonträgerhersteller, deren Produkte im deutschen Markt vertrieben werden, herausragende Jazz-Neuveröffentlichungen bei der Deutschen Phono-Akademie, dem Kulturinstitut des Bundesverbandes Musikindustrie e. V., einreichen, um diese für die Preisverleihung des ECHO Jazz 2012 zu nominieren.

Nominierungsvoraussetzung ist die Veröffentlichung des Produktes im Zeitraum vom 1. November 2010 bis zum 31. Oktober 2011 sowie zwei herausragende Rezensionen des Tonträgers von fachkundigen Musikjournalisten. Bereits im Vorjahr nominierte Produkte dürfen nicht erneut vorgeschlagen werden. Detaillierte Informationen zu den Regularien und den erforderlichen Nominierungsunterlagen stehen auf der Website www.echojazz.de zum Download zur Verfügung. Der ECHO Jazz wird in insgesamt 31 Kategorien vergeben und widmet sich neben dem ECHO – Deutscher Musikpreis und dem ECHO Klassik ausschließlich dem Genrebereich Jazz. Alle eingereichten Produkte, die die Nominierungsvoraussetzungen erfüllen, werden von einer Jury hinsichtlich der künstlerischen Qualität und des Publikumserfolgs bewertet.

Die erste Verleihung des ECHO Jazz fand 2010 in der Jahrhunderthalle Bochum statt, im letzten Jahr gastierte der ECHO Jazz in der Gläsernen Manufaktur von Volkswagen in Dresden. Wann und wo der Preis 2012 verliehen wird, wird zu gegebener Zeit bekannt gegeben.

ECHO Jazz im Netz: www.echojazz.de

Angehört: Frank Wingold Clairvoyance „Virtues & Vices“

2011-11-09T12:26:00.000+01:00

Double Moon DMCHR 71100

Wenn ein Album den (übersetzten) Titel „Tugenden & Laster“ trägt, dann sucht man natürlich als erstes nach den Lastern. Mit den Tugenden kann man sich ja später noch beschäftigen, gelten diese doch eh als langweilig. Allein – man tut sich schwer mit der heraufbeschworenen Lasterhaftigkeit.

Frank Wingold, Professor für Jazzgitarre in Osnabrück und primus inter pares von Clairvoyance, hat eine reine Professorenband zusammengestellt, denn auch seine Mitmusiker Niels Klein (welch schöner, beredter Tenorsaxophonsound!), Dietmar Fuhr (leichtgängiger und akzentuierter Bass) sowie Jonas Burgwinkel (beweist hier seine herausragende Stellung im deutschen und europäischen Schlagzeugwald) lehren an verschiedenen Instituten. Hm, dies als Laster anzusehen genügt nicht. Also weiter.

Die Kompositionen, allesamt aus Wingolds Hand, klingen fast schon „typisch“ modern, dem momentanen Jazzgeschmack entsprechend. Es gibt keine unangenehmen Überraschungen. Alles klingt wie aus einem Guss, dabei überlässt hier niemand etwas dem Zufall. Alles wohl konstruiert, badend in der Vielfalt tönender Klangfarben. Ein Laster? Nein, auch nicht.

Selbst nach dem zweiten Hören der CD bleibt der erste Eindruck bestehen: „Virtues & Vices“ hat keine Laster zu bieten, nur Tugenden. Schade eigentlich, und doch wiederum auch ganz schön, denn die hier zur Schau gestellte Tugendhaftigkeit ist keinesfalls langweilig. Auch Tugenden können begeistern, Frank Wingold und Clairvoyance sind das beste Beispiel dafür.

Frank Wingold im Netz: www.wingold.de

Double Moon Records im Netz: www.doublemoon.de

Angehört: David Linx „Rock My Boat“

2011-11-08T15:28:00.001+01:00

Naive 2011

Der belgische Sänger David Linx hat schon mit einigen der Großen zusammengearbeitet: Johnny Griffin, Clark Terry, Slide Hampton, Toots Thielemanns, Steve Coleman und zuletzt mit der Sängerin Maria Joao. Er ist also ein gestandener Sänger, der sich auf „Rock My Boat“ mit einem ungewöhnlichen, weil eigentlich gar nicht mehr zeitgemäßen Trio umgibt. Kein Piano, dafür Orgel, kein Bass und nur ein Schlagzeug. Wer will das im Jahre 2011 eigentlich noch hören? Viel zu weit zurück in die 70er Jahre, oder?

Rhoda Scott bedient leichthändig und -füßig die massige Hammond B3, und Andre Ceccarelli umspielt sie gekonnt auf den Drums. Dazu dann nur noch die Stimme von David Linx – und fertig! Das ist alles?

Nein, nicht ganz. Diverse Gäste runden das Bild ab, obwohl das Trio auch ohne sie wunderbar funktioniert. Beschwingt swingend lustwandeln die Musiker durch ein kurzweiliges, völlig unzeitgemäßes Album, das eigentlich viel zu still ist, um zwischen all den massenhaften Veröffentlichungen groß aufzufallen. „Rock My Boat“ ist außerdem viel zu unauffällig, um in die heutige Zeit zu passen, aber vielleicht ist es genau das, was den Charme dieses Albums ausmacht. Hier gibt es endlich mal keine Experimente, kein schneller – höher – weiter, sondern bodenständige und ehrliche Musik, die von Herzen kommt. Wer also auf der Suche nach einem ruhigen, beständig swingenden Werk mit einem großartigen Sänger ist, der ist hier genau richtig. David Linx Stimme jedenfalls bleibt im Ohr.

David Linx im Netz: www.myspace.com/davidlinx

Naive im Netz: www.naive.fr

Angehört: Meshell Ndegeocello „Weather“

2011-11-08T14:33:00.010+01:00

Naive 2011

Soll man die Wetterfühligkeit des neuen Albums der Bassistin und Sängerin Meshell Ndegeocello beschreiben, dann würde man wohl Herbst dazu sagen. Weicher ist ihre Musik geworden, weniger funkig, dafür freier und leichter zugänglich.

Sie selbst sagt dazu: „Lange Zeit war ich im Krieg mit allen anderen. Ich kämpfte hart, aber das ist jetzt alles vorbei.“ Ihre Stimme hat die Aggression eingebüßt, manchmal scheint sie nur noch zu flüstern. Trotzdem bleibt das Album poppig und leicht durchhörbar, wofür sich Produzent Joe Henry verantwortlich zeichnet, der auch schon auf Meshell`s 99er Album „Bitter“ als Musiker mitgewirkt hat.

Alles in allem ist „Weather“ die Zustandsbeschreibung einer gereiften Künstlerin, die ihre Vergangenheit nicht leugnet, sie jedoch nicht in den Vordergrund stellt und stetig weiter fortschreitet. Eine schöne Herbstplatte!

Hier ist ein erster Höreindruck des Titels "Dirty World":

FREE DOWNLOAD: Meshell Ndegeocello - Track 8 "Dirty World"

Meshell Ndegeocello im Netz: www.meshell.com

Naive im Netz: www.naive.fr

Interview: „Das, was es ist“ - Die Saxophonistin Charlotte Greve

2011-11-01T18:40:00.000+01:00

Auf ihrer zweiten CD mit dem Lisbeth Quartett („Constant Travellers“, Traumton) zeigt sich die Altsaxophonistin Charlotte Greve sowohl klanglich als auch kompositorisch von einer neuen Seite. Das Konzept der Formation ist offener geworden, was sich vor allem auch bei Liveauftritten bemerkbar macht. Man kann das Ganze auch als organische Weiterentwicklung einer Band sehen, die sich Neuem gegenüber stets aufgeschlossen zeigt und permanent an sich und seinem Ausdruck arbeitet, wobei immer aber die Melodie als solches im Vordergrund steht.

Jazz On Blog! hat mit Charlotte Greve über ihre Musik und die Suche nach dem nächsten Ton gesprochen.

Jazz On Blog: Wenn man das neue Album zum ersten Mal hört, dann macht sich ein richtiger Quantensprung sowohl im Songwriting als auch im Ausdruck bemerkbar. Die Band ist also gereift. Ist das eine natürliche und konsequente Weiterentwicklung, die sich einfach aus eurem Zusammenspiel ergeben hat, oder ist das harte Arbeit gewesen?

TRAUMTON 4562

Charlotte Greve: Beim Schreiben der Stücke habe ich mir viel mehr Gedanken darüber gemacht, wie der Bogen von Stück zu Stück variieren kann und vor allem, wie man es schafft, dass einem die Kompositionen so viel Freiraum lassen, dass man sie als Band von Konzert zu Konzert anders formen kann. Ich habe also die kompositorischen Entscheidungen viel bewusster getroffen. Ansonsten hat sich jeder Einzelne weiter entwickelt und wir sind nun alle viel mehr in der Lage, spielerische Risiken einzugehen, weil wir uns einfach noch besser kennen und deswegen dieses etwas offenere Konzept auch gut funktioniert.

War auch der Wechsel am Schlagzeug mit ein Grund für diese Weiterentwicklung? Moritz Baumgärtner ist ja ein unglaublich quirliger und versierter Drummer.

Mit Moritz spielen wir eigentlich auch schon länger. Er hat, bevor er fest in der Band war, schon manchmal ausgeholfen. Das hat die Musik auf jeden Fall immer in eine ganz andere Richtung gebracht. Es entstehen mit unterschiedlichen Leuten natürlich andere Impulse und Herausforderungen, was manchmal sehr belebend für die Musik sein kann.

Live ist das Lisbeth Quartett allerdings noch eine Spur extrovertierter und vielleicht auch wagemutiger und spontaner. Die Stücke werden dann länger ausformuliert. Genießt du den spontanen, nicht reproduzierbaren Liveauftritt mehr als die Studioarbeit?

Bei der Arbeit im Studio hat man irgendwie eine andere Art von Fokus als beim Livekonzert. Es gibt Sachen, über die man nachdenken muss, wie zum Beispiel die Dramaturgie von Stück zu Stück und die der gesamten Platte. Überlegungen wie diese sind sehr wichtig und nützlich, manchmal können sie einen jedoch auch einschränken und einem im Weg stehen. Beim Liveauftritt dagegen fällt es mir oft leichter nur in dem Moment und in der Musik zu sein, so dass alles mögliche passieren kann ohne das man darüber nachdenkt.

Für "Constant Travellers" hast du bis auf ein Stück alle Titel selbst geschrieben. Inwieweit hat die Band trotzdem ihre Ideen mit einbringen können?

Manche Stücke habe ich ziemlich komplett mit in die Probe gebracht und wir haben sie einfach erstmal geprobt, wie ich sie mir vorgestellt habe. Manchmal habe ich aber auch nur Fragmente und verschiedene Teile mitgebracht, und wir haben gemeinsam mögliche Spannungsbögen und unterschiedliche Versionen ausprobiert. Im Großen und Ganzen funktioniert diese Band als musikalisches Kollektiv in dem sich jeder gleichermaßen einbringt, keiner und alle “vorne” stehen. Es ist mehr wie in einem Kreis.

Bei unserem letzten Gespräch hast du gesagt, du spielst, was gerade so in deinem Kopf herum spukt. Du wüsstest nicht, wo die Reise hinführt. Kommt daher auch der neue Albumtitel?

Beim Titel „Constant Travellers“, der ja gleichzeitig ein Herzstück auf dem neuen Album ist, geht es mir mehr darum, dass wir alle anstreben, nicht stehen zu bleiben, sondern immer in Bewegung zu sein um Offenheit für Veränderungen zeigen zu können. Was wir jetzt tun ist in dem Moment das, was es ist. Das kann sich zum Beispiel für die nächste CD schon wieder ändern und etwas ganz anderes sein, und das kann und soll sich am besten von Konzert zu Konzert auch kontinuierlich bewegen und verändern, allerdings ohne den Kern zu verlieren.

Hast du bestimmte Bilder im Kopf, wenn du Stücke schreibst? Was inspiriert dich?

Mich inspirieren ganz unterschiedliche Sachen. Das kann zum Beispiel ein Konzert sein, was mich sehr ausgefüllt hat, manchmal auch nur ein einziger Ton, Gespräche und Situationen oder Fotos, Blicke, Gemälde. Also wirklich ganz unterschiedliche Dinge.

Im Moment bist du gerade erkältet und kannst nicht spielen. Genießt du diese erzwungene Auszeit oder hast du eher das Gefühl, du wirst aufgehalten?

Ich bin nicht so gut im „krank sein“. Vor allem, wenn sonst keiner mitmacht, dann fühle ich mich schon sehr schnell aufgehalten. Manchmal, wenn ich gerade einen Haufen Sachen gemacht habe, die mich gleichzeitig angestrengt aber auch sehr positiv ausgefüllt haben, habe ich allerdings auch gerne diese Auszeiten.

Welche Musik hörst du selbst im Moment und wie beeinflusst dich diese?

Ich höre immer in Etappen und dann immer nur einige CDs, aber die sehr oft hintereinander. So im Moment zum Beispiel Paul Motian „Garden Of Eden“. Die Melodien auf der Platte und der Energiefluss, der die ganze Zeit darunter wabert, finde ich wunderbar. Dann TYFT „Meg Nem Sa“, die hat so gute Wucht und Power, die direkt in einen selbst übergeht. Und Joanna Newsom, Singer / Songwriter mit Harfe und recht penetranter, aber unglaublich inniger und intensiver Stimme. Diese Art von Musik erdet mich, weil sie so frei heraus, einfach und ehrlich ist. Das ist so eine kleine Auswahl.

Zum Schluss nenne ich dir jetzt 5 Saxophonisten, und ich möchte dich bitten, zu jedem ein paar Worte zu sagen.

Charlie Parker...

Wie kein anderer sonst hat er eine einmalige Energie und Phrasierung und gleichzeitig melodische Kraft in seinen Linien. Wie so ein Power-Strom der nie abzureißen scheint.

Lee Konitz...

Gehört zu meinen Vorbildern, weil er diese gute Mischung aus Schönheit und Ecken in seinem Spiel hat. Innig und zupackend.

Loren Stillman...

Hat für mich schon lange einen der tollsten Altsaxophonsounds überhaupt. Er begleitet meine Klangvorstellung von Ton zu Ton seitdem ich ihn das erste Mal gehört habe.

Tineke Postma...

Ist `ne Super Saxophonistin. Habe ich vor etwa 6 Jahren sehr gemocht und eine Zeit lang viel gehört. Mein Geschmack hat sich geändert, aber ich finde nach wie vor, dass sie eine sehr gute Saxophonistin ist.

Charlotte Greve...

He, das bin ich!

Charlotte Greve im Netz: www.charlottegreve.de

Traumton Records im Netz: www.traumton.de

Angehört: McCormack & Yarde Duo „Places And Other Spaces“

2011-11-01T12:41:00.002+01:00

Edition Rec. EDN1028

Noch ein Duo. Wieder magische Momente. Wer in die Klangwelt von Pianist Andrew McCormack und Saxophonist Jason Yarde eintauchen möchte, der wird für eine Stunde seine Umwelt vergessen. Elegisch wirkt diese Musik, an manchen Stellen melancholisch, fast wie für den Herbst geschrieben. Doch diese Erzählform wird immer wieder durchbrochen von rasanten Läufen auf einem der beiden Instrumente. So entsteht ein reizvoller Kontrast zwischen Belebung und einer hinterhältigen Ruhe.

Dann wechselt der Blickwinkel und die Tonart zu Unisonopassagen voller Wiederholungen, die dann sacht gegeneinander verschoben werden. „Places And Other Spaces“ beinhaltet vieler solcher Momente in einem traumhaften Zusammenspiel. Das Duo McCormack & Yarde, das in Deutschland vielleicht noch nicht so bekannt ist, verdient auf alle Fälle mehr Aufmerksamkeit. Der Hörer / die Hörerin wird dafür reich belohnt.

Andrew McCormack im Netz: www.myspace.com/andrewmccormack

Jason Yarde im Netz: www.myspace.com/jasonyarde

Edition Records im Netz: www.editionrecords.com

Angehört: Marc Copland / John Abercrombie „Speak to me“

2011-10-31T12:49:00.005+01:00

Pirouet PIT3058

Oh ja, dieses Album spricht! Es spricht Freundschaft, Zusammenhalt, eine innige Zwiesprache mit dem Anderen, und vor allem spricht es von der Freude, zusammen zu musizieren. „Speak to me“ ist ein Kommunikationsalbum zweier Musiker, die sich lange kennen.

Über beide muss man kein Wort verlieren; beide sind sie Meister an ihren Instrumenten. Der Eine ein sensibler Tastenvirtuose, dem der Andere an den Saiten in Nichts nachsteht. Marc Copland und John Abercrombie haben neben ihrer Freundschaft auch eine lange gemeinsame Aufnahmevergangenheit, jedoch nie im Duo. Somit ist diese CD ein Neuanfang, eine gelungene Premiere. Eine ruhige Premiere. Wer hier Exaltiertheit oder gar wilde Gesten erwartet, den wird dieses Album enttäuschen. Wer allerdings die Ruhe in den Tönen spüren und erleben will, der ist hier genau richtig. Beide Musiker breiten einen kunstvoll verflochtenen Klangteppich aus, den zu betreten man nur wagen sollte, wenn sich die Tür des Alltags geschlossen hat. Man wird belohnt mit einer CD, die zu einem spricht.

Marc Copland im Netz: www.marccopland.com

John Abercrombie im Netz: www.johnabercrombie.com

Pirouet Records im Netz: www.pirouet.com

Angehört: boNObo-trio „toGEther“

2011-10-15T11:40:00.000+02:00

boNObo-trio "toGEther"

Neuklang NCD4058

Über die Bonobos findet sich in einem alten Tierlexikon aus den 1960er Jahren folgender Eintrag: „Bonobo paniscus, auch Zwergschimpanse; lebt in den dichten Urwäldern des südlichen Kongo, … mit schwarzem Gesicht, aber hellem Kinn, hellen Augenlidern und rötlichen Lippen. Die Stimme enthält mehr a- und e-Laute, und im Zorn stampft er im Vergleich zum Schimpansen mehr mit den Füßen. Im Ganzen wohl die menschenähnlichste aller Affen...“.

Beim boNObo-trio handelt es sich aber nicht um Affen des afrikanischen Kontinents, überhaupt gar nicht um Affen, sondern um (waschechte) Franzosen. Affenähnlich ist eher schon ihre Musik, die wild und ungestüm aus den Boxen dringt. Rock, Funk, Jazz, ein experimentaler Reigen klangvoller Rhythmen und Pattern, ein Gebräu aus Zappa, Bach und tierischem Geschrei – oder besser gesagt: Gerülpse, passend zum Titel „bier #2“. Oder anders gesagt: Unkonverntionell, radikal, brachial, laut, durchzogen von feinfühligen Linien erhabener Ruhe, revolutionär und anarchisch. Das boNObo-trio ist genau das Gegenteil von Mainstream und jeglicher Art von Anbiederung an den Massengeschmack. Trotzdem wird der Hörer durch die Energie einfach mitgerissen, hinein in das lärmende Geschehen dieser drei, vom wilden Affen gebissenen Musiker. Spectaculairement!

Bonobo Trio im Netz: www.myspace.com/bonobotrio
Neuklang im Netz: www.neuklangrecords.de

Angehört: Martin Lechner „Gentlemen Are Hard To Find“

2011-10-14T10:36:00.000+02:00

Martin Lechner "Gentlemen Are Hard To Find"

BHM 1058-2

Wer sich noch an Martin Lechner erinnert, der muss ein paar Jahre zurückgehen. 2008 tauchte der Sänger in Stefan Raabs Castingshow „Raab sucht den Superstar“ auf und gleich wieder unter. Nun ist er wieder da, mit seinem ersten Album „Gentlemen Are Hard To Find“.

Eine „neue Stimme des Soul Jazz“ verspricht uns die Plattenfirma, ein „Naturtalent“ gar. So ganz falsch ist das nicht, denn Lechner, der erst seit einigen Jahren singt und nie auch nur eine Gesangsstunde absolviert hat, bringt alle Voraussetzungen für einen guten Sänger mit: rauchige Tonlage, gutes Timing und klare Phrasierung wurden ihm somit scheinbar in die Wiege gelegt. Swingend interpretiert er Nat King Cole mit einer manchmal überraschenden Modernität, wo er aus dem normalen Retrosound heraustritt. Leider passiert das zu wenig, und Lechner schafft es in den 18 Titeln nicht, sich das Repertoire wirklich zu eigen zu machen. Somit bleibt „Gentlemen Are Hard To Find“ nur reine Coverarbeit. Es fehlt letztlich die persönliche Note, der Frischekick zum Aufpolieren dieses alten Materials. Trotz guter Begleitband bleibt hier ein Vakuum, eine Vorhersehbarkeit die nach einiger Zeit langweilt. Die Gesangsstimme ist da, jetzt muss Martin Lechner nur noch seine eigene Stimme in der Musik finden.

Martin Lechner im Netz: www.martinlechner.net
BHM im Netz: www.bhm-music.de

Thema: Wie wichtig ist Jazz?

2011-10-12T13:14:00.007+02:00

Der Saxophonist Branford Marsalis hat vor kurzem in einem Interview das Bild des Jazzgenres ein wenig korrigiert. In der Wochenzeitung „Seattle Weekly“ warf er die Frage auf, ob man eine Musik, die von einem Großteil der Menschen überhaupt noch nie gehört worden ist, als „wichtig“ bezeichnen könnte. Auch wenn Hörer Musik erst einmal analysieren müssten, um sie zu verstehen, hätten die Musiker ein Problem.

Zudem stellte Marsalis auch die "Illusion" einer andauernden Neuerfindung im Jazz in Frage. Es mache keinen Sinn, nur um der Virtuosität Willen virtuos zu sein, sagte er. Sein Job bestehe darin, Songs zu schreiben, die für ihn selbst eine emotionale Bedeutung hätten, denn nur dann würde sich das auch einem größeren Publikum mitteilen.

Jazz On Blog! hat verschiedene Musiker mit diesen Aussagen konfrontiert und hat nachgefragt: Kann der Jazz also als wichtig bezeichnet werden, wo er doch den meisten Menschen unbekannt ist? Wenn ja: was macht den Jazz wichtig? Wenn nein: woran liegt das? An zu wenig Jazz in der Öffentlichkeit, den Medien, speziell im Radio? Oder liegt ein Problem bei den Schulen, wo Jazz eine eher untergeordnete Rolle spielt, und man gerade da die Chance verpasst, junge Menschen an diese Form der Musik heranzuführen?

Also: wie wichtig ist der Jazz tatsächlich (noch)?

ULRICH DRECHSLER (AUT):
Seien wir ehrlich, wenn es keinen Jazz gäbe, wäre das auch kein Drama, genauso überflüssig wie Handys, ständig neue Autos, neue Anlageformen etc. etc. In Zeiten, in denen 2 Milliarden Menschen nicht mal Zugang zu sauberem Wasser haben, ist Jazz wirklich unwichtig für das Bestehen der Menschheit.

Branford Marsalis hat meiner Meinung nach absolut recht, wenn er meint, dass Musik emotional sein muss um ein Publikum zu erreichen. Wenn jemand schneller / lauter / höher spielen kann, mag das ja für den Zuhörer ein paar Minuten lang spannend sein, aber nach kurzer Zeit sind die meisten wegen der Informationsüberdosos einfach überfordert. Deshalb gilt Jazz für die meisten Menschen als "schwierige" Musik. Das ist ein Problem dieser Musikform.

Um zur Frage zurückzukommen:
Wenn es keinen Jazz gäbe, würde sich die Welt trotzdem weiter drehen.
ABER: In Zeiten, in denen wir alle nur noch funktionieren, Angst um unsere Existenz und unser Dasein haben, reihenweise „Burnout Syndrome“ produzieren und feststellen, dass wir nicht das Leben führen, das wir uns eigentlich für uns vorgestellt haben, sind Musiker eine der letzten "Spezies", die ihren Traum noch leben und versuchen, diesen mitzuteilen.

Es geht nicht darum, sich selbst zu produzieren, es geht darum, seinem Publikum ein, zwei schöne Stunden im Konzert zu schenken (oder auf CD), in denen sie genießen und abschalten können um mit einem guten Gefühl nach Hause zu gehen. Und DAS ist ein Gut, das es unbedingt zu verteidigen gilt, weil es im Leben letztendlich in allen Belangen doch nur um Liebe geht. Danach sehnt sich doch jeder. Die meisten unter uns haben das leider vergessen!

FLORIAN POSER (DE):

Was ist schon wichtig? Jazz ist zweifelsohne ein markantes Phänomen der musikgeschichtlichen Entwicklung und diesem Phänomen ist es naturgegebenermaßen vollkommen egal, ob es "wichtig" ist oder nicht - es entsteht einfach aus dem Bedürfnis von Menschen heraus sich in einer ganz bestimmten Art und Weise auszudrücken. Das ist letztendlich der Antrieb für jede Art von Avantgarde. Die unterschiedlichen, hieraus erwachsenden musikalischen Phänomene (Stilistiken) erfahren dann in der Folge einen unterschiedlichen Grad von gesellschaftlicher Akzeptanz und damit auch Popularität. In diesem Spannungsfeld bewegt sich jede Art von Musik, denn jede Art von Musik ist letztendlich gleich "wichtig" oder auch "unwichtig". Ergo, der Begriff "wichtig" ist in diesem Zusammenhang ein vollkommen unbrauchbarer Terminus.

Die Hörer müssen ja auch die Musik nicht analysieren! Das Problem entsteht, wenn die Analyse eine Voraussetzung zum Verständnis einer Musik ist - wenn man sie "unvorgebildet" nicht versteht. Auch hier finde ich die Terminologie höchst zweifelhaft. Es kann doch nur darum gehen Musik durch Analyse besser zu verstehen. Das gilt doch letztendlich für jede Art von Kunst.

Ein Grund für die geringe Popularität von Jazz ist natürlich, dass so eine anspruchsvolle Musikstilistik in dem allgegenwärtigen globalen Verblödungs-System, genannt "Medien in der Hand von Geschäftemachern", kaum Beachtung mehr findet und finden kann. Im Gegenteil: Ich bin eigentlich immer wieder erstaunt, wie viele Leute unter diesen medialen Umständen noch Jazz hören und mögen und zu Konzerten kommen etc. Eigentlich ist das doch schon fast ein kleines Wunder...!

Bleiben wir also "klein" und "unwchtig" und richten es uns gemütlich in unserem "Jazz-Biotop" ein.

ULI RENNERT (AUT):

Da mag man es mit Arnold Schönberg halten, der sinngemäß meinte, dass es für die Hörer seiner Musik absolut unnötig sei, zu wissen wie die Musik komponiert sei. Ich denke das auch. Leider scheint die Überfütterung und Massenbeschallung mit Musik, die rein kommerziellen Interessen untergeordnet ist, in den letzten Jahren dazu geführt zu haben, dass ein aktives Hören von immer weniger Menschen akzeptiert, praktiziert oder gar angestrebt wird. Und die Präsentation von dem, was die meisten Musiklehrer für Jazz halten, dient meist nur der Anbiederung an ihr junges Publikum, das dem überkommenen Pop-Geschmack des 'coolen' Lehrpersonals ebenso ratlos gegenübersteht. Lust an Improvisation oder spannungsvoller, auch schräger Musik kann so kaum vermittelt werden. Faszination für Musik und das Musizieren im Allgemeinen, abseits von Stilen oder Branchen wäre noch die einzige Möglichkeit, junge Menschen zu begeistern, aber dazu braucht es Persönlichkeiten als Lehrer und keine gescheiterten Schmalspurmusiker, die keine Ahnung haben, wovon sie eigentlich reden.

Jazz hat für mich zuerst einmal sehr wenig mit Tönen, Akkorden, Konzepten etc. zu tun. Jazz ist Sound, Groove, Emotion, Persönlichkeit, Originalität. Ich kann auch originell sein, ohne Neues zu erfinden – vieles, was als Neu apostrophiert wird, hat weder Persönlichkeit noch ist es originell.

HANNES CLAUSS (DE):
Erst einmal ist der Künstler sich selbst und seinem Werk verpflichtet. Das meint: Wie setze ich meine Ideen um, wie erreiche ich den von mir angestrebten Ausdruck, in welchem Verhältnis steht meine Kunst zu dem was vor mir Musiker gedacht und gemacht haben. In den USA haben die Jazzmusiker ja oft das Problem , dass ihre Kunst eben nicht gewürdigt wird, eher als Beiwerk oder Unterhaltung angesehen wird. Auch Branford Marsalis unterstelle ich eine Zuordnung seiner Musik zur Kunst und ordne seine Musik auch selbst unter diese Rubrik ein.

Die Frage, weshalb hört oder kennt nur ein kleiner Teil der Bevölkerung Jazz, liegt wohl zum einen darin, dass diese Musik so gut wie gar nicht mehr in den Medien präsent ist und nur noch ein Nischendasein mit sehr späten Sendezeiten fristet. Ebenso erhält Jazz so gut wie gar keine Förderung. Das einzig probate Mittel scheint mir zu sein, sich als Jazzmusiker kulturpolitisch zu betätigen, unserer Musik einen Spielort zu gewinnen und immer wieder gegen das musikalische Unwissen an zu spielen. Mit den Besuchern unserer Konzerte zu reden, zu erklären was wir da auf der Bühne tun und selbst an Musikschulen zu unterrichten.

Damit sind wir beim nächsten Punkt: die Sache mit der Erklärung von Kunst. Natürlich ist es ein kaum zu meisterndes Unterfangen, Kunst in all ihren Facetten erklären zu wollen. Da sich aber der Jazz weiter entwickelt und damit immer mehr verfeinert hat, ist es für den ungebildeten Hörer unumgänglich, sich mit dem Jazz, zum erhöhten Kunstgenuss, stärker auseinander zu setzen als beispielsweise mit einem Schlager oder röhrenden Hirschen. Es sollte schlicht ein Eigeninteresse des Hörers sein, mehr zu verstehen, um seinen Kunstgenuss dadurch zu erhöhen. Stelle ich diese Anforderung nicht , gebe ich der musikalischen Verblödung den Weg frei! Wie viel bedeutende Musik oder Bildende Kunst wäre denn entstanden, wenn wir oder die Künstler vor uns, dem Diktat der sofortigen Allgemeinverständlichkeit gehuldigt hätten? Auch hier wieder ein Appell an mehr Bildung und dies gerade in Hinsicht auf eine verbesserte Hörerfahrung breiter Schichten.

Emotionalität wie Virtuosität sind Vehikel für unsere Arbeit, die sich gegenseitig bedingen. Treten diese isoliert auf, bleibt die Kunst flach, wird zur Technikhochleistungsschau oder verkommt zum Kitsch.

SARAH KAISER (DE):

Jazzmusik ist ein weites Feld, eine Musikrichtung, die sich in keine Schublade packen lässt, die seit über 80 Jahren existiert und sich entwickelt hat. Jazzmusik ist ein Schmelztiegel der musikalischen Stile und Einflüsse, stark beeinflusst von Spirituals und Blues, in Europa vielerorts längst davon abgenabelt, und auf gewisse Weise auch ein Beeinflusser und Vorreiter vieler Spielarten des Pop.

Ich stimme Branford Marsalis zu, wenn er sagt, dass "wenn Hörer Musik erst einmal analysieren müssten, um sie zu verstehen, hätten die Musiker ein Problem". Dann wird Musik nämlich schnell zur Musik einer Elite, und das ist meines Erachtens nicht Sinn von Musik.

Mir fallen auf Anhieb 2 Gründe ein, warum der Jazz wichtig ist: Im "nicht-klassischen" Feld ist es die Musik, die Virtuosität und musikalisches Können wie kein anderes musikalisches Genre fordert und fördert. Kreativität, Spontanität, Reaktion, Interaktion, und vor allem eine ungemeine Spielfreude sind idealerweise immer Zutaten des Jazz, die sie für Spieler wie Hörer so spannend, aufregend und interessant machen. Das Spielerische in der Musik, die Improvisation, muss und darf einen Platz haben, und hier hat der Jazz eine wichtige Rolle.

Dann ist der Jazz auf gewisse Weise auch eine Brücke zwischen Klassik (wo oft auch Virtuosität gefragt ist) und "Pop" (wo das unmittelbare, emotionale Erlebnis so wichtig ist). Ernst und unterhaltsam, leicht und schwer. Soweit zur Theorie. Praktisch finde ich persönlich, der Jazz sollte in der Jugend-Bildung in Europa mehr gefördert werden, schon im Kindergarten und der Schule anfangen, wie es in den USA zum Beispiel viel üblicher ist. Wenn mehr Leute Jazz machen, hören und mögen auch mehr Leute Jazz. Dabei darf es auch keine Angst vor Stilbrüchen und "Crossover" geben. Jazz lehrt gutes Handwerk, und darum geht es primär, wenn Musiker ausgebildet werden. Emotionaler Jazz mit Aussage und ohne Scheuklappen - das finde ich super!

Live: Lisbeth Quartett @ Landschaftsforum Aurich

2011-09-25T12:58:00.000+02:00

Die erste Begegnung mit einem der Musiker ist kurz vor dem Konzert: Bassist Marc Muellbauer steht im Waschraum der Herrentoilette und bürstet mit Nachdruck sein Hemd. „Das kommt davon,“ sagt er, „wenn man beim Catering zu hastig ist.“

In der Tat, viel Zeit ist nicht. Die Band ist spät, und schuld daran ist ausgerechnet der Papst, der durch seinen Berlin Besuch alle Zeitpläne durcheinanderbringt, nicht nur die des Lisbeth Quartetts. Doch dann, das Hemd ist mittlerweile gesäubert, steht das Quartett endlich auf der Bühne. Fulminant der Auftakt, getrieben vom quirligen Schlagzeuger Moritz Baumgärtner geht es auf eine rasante Achterbahnfahrt. Charlotte Greve, die meisterhafte junge Saxophonistin und Bandleaderin, bläst die ersten Töne kraftvoll, setzt ab, grinst. Ein „Ha!“ entfährt ihr bei dem hohen Tempo, das ihre Mitmusiker anschlagen, ganz so, als wolle sie sagen: „Ihr hängt mich nicht ab!“. Mit geschlossenen Augen und wiegendem Körper gibt sie sich der Musik hin, spielt rasante Läufe mit unglaublich viel Tiefgang.

Es sind durchweg lange Kompositionen, altes wie neues Material, wobei „sehr alt“ für Charlotte Greve schon bedeutet, dass ein Titel vor zwei Jahren von ihr geschrieben wurde, wie sie in ihrer charmant-natürlichen Art dem Publikum zu verstehen gibt. Überhaupt zeigt sich die junge Musikerin überrascht, dass so viele Leute gekommen sind – und auch bleiben. „Tut gar nicht weh,“ sagt sie dazu von der Bühne zu Beginn des zweiten Sets. Recht hat sie damit, auch wenn ihre Musik modern und ausufernd, selten gradlinig und öfter mal laut ist. In manchen Momenten hat man Angst, die Band verliert sich in den vertrackten Titeln, um dann genau auf den Punkt ein Stück zu beenden. So klingt der Jazz des 21. Jahrhunderts; der Staub, die Patina der frühen Jahre wird einfach weggefegt. Das Lisbeth Quartett ist ein Teil dieses neuen Jazz, und man darf gespannt sein, wohin ihr Weg noch führen wird. Die feurige Leidenschaft jedenfalls ist unüberhörbar präsent.

Charlotte Greve / Lisbeth Quartett im Netz: www.charlottegreve.de

Angehört: Claus Boesser-Ferrari / Thomas Siffling „Duologix“

2011-08-11T11:01:00.003+02:00

Claus Boesser-Ferrari / Thomas Siffling „Duologix“

JnA 541

Kleine Dinge bereichern das Leben. So ein kleines Ding kann zum Beispiel ein Abendessen sein, zu dem man sich mit guten Freunden trifft. Manchmal passiert bei so einem Abendessen mehr als nur ein gutes Gespräch, selten allerdings treffen dabei zwei Menschen aufeinander, die beim Wein beschließen, zusammen Musik zu machen, obwohl sie grundverschieden sind.

Claus Boesser-Ferrari und Thomas Siffling haben sich nach einem solchen Abendessen also in ein Duo gewagt, ohne Rhythmusgruppe und ohne weitere Begleitung. Ein Duo ist an sich schon immer etwas besonderes, sozusagen die kleinste intime Einheit eines Ganzen. Spannend sind solche Zweisamkeiten allemal, besonders aber, wenn zwei total gegensätzliche Künstlernaturen mit völlig differenter Musikauffassung aufeinandertreffen.

Da ist auf der einen Seite der Klangforscher und Experimentalmusiker Claus Boesser-Ferrari, der seiner Gitarre immer aufs Neue nie gehörte Töne entlockt, und ihm zur Seite der schon fast als „Harmoniejunkie“ zu bezeichnende Trompeter Thomas Siffling, der bevorzugt im melodiereichen Pop- und Jazzumfeld cruist. Kann so etwas überhaupt funktionieren? Ja, es kann, denn „Duologix“ ist der hörbare Beweis. „Ich muss etwas moderner denken. Und Claus darf nicht so abgedreht agieren,“ sagt Thomas Siffling dazu. Das ist das ganze Erfolgsrezept dieser Einspielung. Boesser-Ferrari gibt neben den Gitarrentönen noch die Percussion dazu indem er auf sein Instrument klopft und streicht, Siffling agiert mit langen Tönen und diversen Samples und Loops, beide nutzen die technischen Errungenschaften der Elektronik für sich. Seelenlos ist die Musik dadurch nicht geworden, nur intensiver. Und das sie live reproduzierbar ist, beweisen die Beiden in diversen Konzerten immer aufs Neue. „Duologix“ ist damit eines der spannendsten Duoalben des Jahres, auf das man unbedingt ein Ohr haben sollte.

Claus Boesser-Ferrari im Netz: www.boesser-ferrari.de

Thomas Siffling im Netz: www.thomassiffling.com
Jazz`n`Arts im Netz: www.jazznarts.com

Hier das EPK zur Produktion:

Thema: Saxophonist Frank Foster gestorben

2011-07-27T17:58:00.002+02:00

Der ehemalige Saxophonist des Count Basie Orchestras, Frank Foster, ist tot. Wie mehrere Zeitungen übereinstimmend berichten, starb er am Dienstag, 26. Juli 2011 in seinem Haus in Chesapeake in Virginia. Er wurde 82 Jahre alt.

Frank Foster hat über ein halbes Jahrhundert Jazzgeschichte mitgeschrieben. Der 1928 in Ohio geborene Musiker begann 1949 in Detroit mit Kollegen wie Wardell Gray oder Elvin Jones zu spielen. 1953 kam Foster in das Count Basie Orchestra, wo er neben Frank Wess schnell zum Star der Saxophonriege avancierte. Später arrangierte und komponierte er Stücke für das Ensemble, aber auch für Frank Sinatra und Sarah Vaughn. Nach seinem Ausstieg bei Count Basie spielte er u.a. bei Elvin Jones oder der Thad Jones-Mel Lewis Bigband. Später gründete Foster eigene Gruppen, mit denen er weltweit tourte. Von 1986 bis 1995 kehrte er noch einmal zum Count Basie Orchestra zurück, um dort nach dem Tod Basies die Leitung zu übernehmen.

Nach einem Schlaganfall im Jahre 2001 konnte Foster allerdings kaum noch spielen. Im April dieses Jahres war er erneut im Krankenhaus. Seine Kirche ehrte ihn nach seiner Entlassung mit einem eigenen Konzert, dass der Saxophonist aus dem Rollstuhl dirigierte.

Frank Foster im Netz: www.swingthatmusic.net

Interview: Carsten Lindholm - „Ed Thigpen hat mir vieles beigebracht“

2011-07-23T12:46:00.000+02:00

Der dänische Schlagzeuger Carsten Lindholm ist kein typischer Vertreter seines Fachs. Er experimentiert gern mit den verschiedensten Musikgenres, die er äußerst gekonnt zu einem ganz eigenen Sound zusammenfügt. „Tribute“ heißt sein neues Album und ist eine Hommage an die Personen, die ihn und seine Musik beeinflusst haben. Entstanden ist dabei ein breiter Mix aus Jazz, Drum`n`Bass und Ambient, kombiniert mit einfachen nordischen Melodien. Am ehesten kann man die Musik Carsten Lindholms mit den hier zu Lande bekannten Nils Petter Molvaer oder Bugge Wesseltoft vergleichen. Für sein „Tribute“-Projekt hat Lindholm viele bekannte Musiker um sich versammelt, darunter die Trompeter Rene Damsbak und Tav Klitgaard sowie den Gitarristen Eivind Aarset.

Jazz On Blog: Dein neues Album heißt „Tribute". Für wen oder was ist es geschrieben?

Carsten Lindholm: „Tribute“ ist eine Hommage an all jene Menschen, die. lebendig oder tot, in meinen Leben einen tiefen Eindruck hinterlassen haben, wie u.a Nils Petter Molvaer, Bugge Wesseltoft, Mike Mainieri oder mein verstorbener Vater.

Meistens gibt es für Tribute-Alben ja einen konkreten Anlass. War das in diesem Falle auch so?

Ja. Der Auslöser für das Album war der Tod von Jens Melgaard – ein Freund und Jazzbassist, der mich vieles gelehrt hat, musikalisch aber auch persönlich. Danach habe ich selbst angefangen, Musik zu schreiben. Ein weiterer Auslöser war der norwegische Trompeter Nils Petter Molvaer. Ihn hatte ich 1996 auf einem Jazzcamp in Dänemark getroffen. Seine Musik und Produktionen haben mich sofort tief beeinflusst, weil es irgendwie stilistisch einen Schritt weitergegangen ist, so wie Miles (Davis) heute vielleicht klingen würde, glaube ich. Als ich dann später Musikprogramme für den Computer entdeckte, begann ich dann selbst mit dem Komponieren und Produzieren.

Deine Musik ist ein recht bunter MIx aus den verschiedensten Stilrichtungen. Wo würdest du sie selber anordnen?

Ich nenne es filmische Jazzmusik, aber ansonsten ist es ein Mix aus: Jazz, Drum`n`Bass, Downtempo, ambienten Soundscapes und Funk.

Wie bist du überhaupt auf die Idee gekommen, diese ganz unterschiedlichen Stile miteinander in Verbindung zu bringen?

Diese Musik ist ein Mix von allem, was ich in den letzten Jahren selbst gespielt habe:.Jazz Standards in verschiedenen Clubs, Pop, Soul, Funk zu Hochzeiten oder bei Aufnahmen, Rock mit den Trio Kinguru und Electronica mit dem dänisch-polnischen Künstler Konrad Korabiewski. Und die Inspiration kam auch als ich eine lange Researchperiode in Bibliotheken gehabt und alle mögliche Musikgenres ausgeliehen habe.

Deine Musik passt ja eher in die Dancehall-Clubs als auf die Jazzbühne...

Ja, das könnte sein. Ich habe mich aber für die Jazzszene entschieden, weil die Musik solistisch improvisiert ist, und mein Wunsch ist es, auf beiden „venues“ zu spielen. Ich arbeite auch mit Vj Varm, der mehrere Videos für die Musik gemacht hat und möchte ihn gerne live mit dabei haben, damit der visuelle Eindruck auch hier sozusagen mitkommt.

Du hast unter anderem bei Marilyn Mazur und Ed Thigpen „gelernt". Was haben dir diese beiden Musiker mit auf deinen Weg gegeben?

Da muss ich dich gleich korrigieren! Leider habe ich bei Marilyn Mazur nicht studiert, habe aber ihre Band Future Song mehrmals gehört und großen Respekt vor ihrem farbigen Ausdruck, ihren Kompositionen und bewundere, was sie alles musikalisch in ihrem Leben kreiert hat.

Ed Thigpen hat mir tatsächlich vieles beigebracht: Stilistisch, wie man Jazz spielt und die Rhythmen singt, was einen stärkeren Groove bewirkt. Dann, dass die Geschichte auch mit dazu gehört. Er war der Meinung, dass man so viel Jazz wie möglich aus verschiedenen Perioden hören sollte, von Armstrong bis Miles. Er hat mit sehr viel Würde, Stolz und „taste" gespielt und war ein sehr offener Mann. Er konnte beispielsweise anfangen über einen Michael Jackson Song zu reden und dessen starken Groove loben. Ich habe ihn auch einmal in einen Drumshop getroffen, wo er ein Doppelpedal für die Bassdrum kaufen wollte, was mehr für Rockmusik als für das Oscar Peterson Trio geeignet ist! (lacht) Eine große Legende und sehr netter Mensch.

Carsten Lindholm im Netz: www.carstenlindholm.dk

Angehört: Ed Thigpen Trio „Live At Tivoli Copenhagen: You And The Night And The Music & Ed Thigpen: Master Of Time, Rhythm And Taste“

2011-07-21T10:29:00.000+02:00

Ed Thigpen Trio „Live At Tivoli Copenhagen: You And The Night And The Music & Ed Thigpen: Master Of Time, Rhythm And Taste“

Stunt Records STUCD 10092

Alte Besen kehren gut. Dieses Sprichwort galt besonders für Drummer Ed Thigpen, den ausgewanderten Amerikaner, der seit den 70er Jahren in Kopenhagen lebte und dort Anfang des letzten Jahres im Alter von 79 Jahren verstarb. Wenn er die Besen kreisen ließ und unter seinen Händen das Räderwerk der alten Dampflokomotive zum Leben erwachte, das Meeresrauschen oder der Gang durch das gefallene Laub im Herbst auf seinen Fellen erstand, dann atmete man förmlich den Rauch der Schornsteine, man sah das Wasser und spürte die Blätter unter den eigenen Füßen.

Thigpen war ein Phänomen mit den Besen, subtil bis zur Selbstaufgabe, einer der stillsten Schlagzeuger, bei dem jeder Schlag (und war er auch kaum wahrnehmbar) seine exakte Zeit hatte.

Dieses Spiel hat ihn berühmt gemacht, etwa im Oscar Peterson Trio in den 1960er Jahren. Immer swingend war sein Spiel, bis zum Schluss. Im Doppelpack sind jetzt posthum die CD und DVD „Live At Tivoli Copenhagen: You And The Night And The Music & Ed Thigpen: Master Of Time, Rhythm And Taste“ erschienen, die Thigpen in seiner zweiten Heimat Kopenhagen bei der Arbeit und im heimischen Umfeld zeigen. Während die DVD eine sehr informative 90-minütige Dokumentation über das Leben des Schlagzeugers bringt, in der auch viele alte Weggefährten wie die Pianisten Dr. Billy Taylor und der (fast vergessene!) Horace Parlan zu Wort kommen, so zeigt Thigpen sich auf der CD mit seinem langjährigen Triogefährten Carsten Dahl (Piano) und Jesper Bodilsen (Bass) in Bestform. Swingend und trotzdem modern, voller Humor und Spielwitz musiziert sich das Trio durch ein Repertoire aus Klassikern und Eigenkompositionen. Hier wird nichts grundlegend Neues geboten, aber die Wärme, mit der diese drei Musiker zusammen agieren, bleibt einem genauso im Ohr wie die Eisenbahn, das Meeresrauschen oder das raschelnde Herbstlaub aus der Hand dieses Meisterdrummers.

Ed Thigpen im Netz: www.edthigpen.com

Sundance / Stunt Records im Netz: www.sundance.dk

Angehört: Gregory Porter „Water“

2011-07-20T14:01:00.002+02:00

Gregory Porter "Water"
Motema 233170

Wasser – das Lebenselexier schlechthin. Ohne Wasser kein Leben, diese Weisheit kennt jedes Kind. Vielleicht hat Gregory Porter sein Album genau darum so benannt: „Water“. Für ihn bedeutet Gesang Leben, es ist sein Zaubertrank, der ihn antreibt.

Dabei ist der Gesang seit Jahren eine Domäne der Frauen, die sich hier hervortun, während sie als Instrumentalisten weniger in Erscheinung treten. Bei den Männern ist es eher umgekehrt. Und während man hier lange nach einem Star suchen muss, gelingt das bei den Frauen auf Anhieb. Gegewärtig jedenfalls gibt es nur eine Handvoll guter Sänger, angeführt von Kurt Elling, Andy Bey oder Mark Murphy.

Zu ihnen gesellt sich ab sofort Gregory Porter mit seinem sanften aber kräftigen Bariton. Auch wenn sein Debüt im Gegensatz zum Liveerlebnis stellenweise etwas zurückgenommen erscheint, so ist es doch ein großer Wurf geworden. „Water“ reflektiert die Sounds aus Porters Kindheit, den Soul, Blues und Gospel früherer Tage, die er in zum Teil hervorragende Eigenkompositionen verpackt hat.

Begleiten lässt sich Porter von einer Reihe starker Musiker, die sich selbst nicht in den Vordergrund stellen, die Stimme Porters aber trotzdem mehr als nur begleiten und brilliante Soli einstreuen. Alles in allem ist „Water“ ein Album, dem man unbedingt sein Ohr schenken sollte!

Gregory Porter im Netz: www.gregoryporter.com

Motema im Netz: www.motema.com

Gregory Porter bei den Aufnahmesessions 2009 in Brooklyn:

Thema: Dave Holland für sein Lebenswerk geehrt

2011-07-11T13:40:00.000+02:00

(dpa) Für sein Lebenswerk ist der britische Bassist Dave Holland am Samstagabend mit der «German Jazz Trophy 2011» ausgezeichnet worden.

Geehrt wurde der 65-Jährige zum einen für sein musikalisches Konzept «mit einer Mischung aus modernen Kompositionen und Traditionsbezügen» und zum anderen für seine Arbeit mit jungen Künstlern, wie die Kulturgesellschaft Musik+Wort mitteilte. Zum Abschluss der jazzopen 2011 bedankte sich Dave Holland mit einem Konzert seines Quintetts für die Auszeichnung.

Die «German Jazz Trophy» wird seit 2001 jährlich von der Kulturgemeinschaft Musik+Wort, der «Jazzzeitung» und der Sparda-Bank verliehen. Zuletzt ging der Preis in Form einer Skulptur des verstorbenen Stuttgarter Künstlers Otto Herbert Hajek an den französischen Ausnahmepianisten Jacques Loussier, davor an die US-amerikanische Pianistin und Komponistin Carla Bley. Zu den Preisträgern zählen auch der Pianist und Sänger Paul Kuhn, der Filmkomponist Wolfgang Dauner und der Klarinettist Hugo Strasser.

German Jazz Trophy im Netz: www.german-jazz-trophy.de

Dave Holland im Netz: www.daveholland.com

Thema: Vor 40 Jahren starb Louis Armstrong

2011-07-05T23:01:00.000+02:00

«Er war herzkrank und starb am frühen Morgen daheim im eigenen Bett, seine Lucille neben sich», sagt Deslyn Dyer, die im Haus der Armstrongs Besucher aus aller Welt herumführt. Nur zwei Tage vor seinem Tod hatte «Pops», wie er liebevoll genannt wurde, noch mit Freunden und Nachbarn im Garten seinen angeblichen Geburtstag gefeiert.

Dass Armstrong mit seinem Geburtstagsdatum geschummelt und sich dabei sogar älter gemacht hatte, wurde erst nach seinem Tod bekannt. In der Sacred Heart Church in New Orleans tauchte die Amtsurkunde mit dem Geburtsdatum 4. August 1901 auf. Doch dieses Datum war Louis offensichtlich nicht grandios genug. Schon zu Beginn seiner Karriere änderte er es in den 4. Juli 1900 um und kombinierte so den amerikanischen Unabhängigkeitstag mit dem Aufbruch ins neue Jahrhundert.

Sein bescheidenes Häuschen an der 107. Straße des New Yorker Stadtbezirks Queens ist heute ein Museum, der Garten dahinter ein kleines Paradies. Dort lebten Louis und Lucille Armstrong 30 Jahre lang, erzählt Dyer. Auch als «Satchmo» Weltruhm erlangt hatte und das Geld für ein feudales Penthouse über den Dächern von Manhattan gehabt hätte, blieb das Ehepaar, wo es sich unter seinesgleichen fühlte. «Man kann Armstrongs Bescheidenheit hier förmlich spüren», findet Dyer.

Der Spitznamen «Satchmo» wurde dem schwarzen Musikgenie für seine breiten Lippen angehängt, mit denen er das Mundstück seiner Trompete umfasste. Satchmo steht für «satchel mouth» und heißt so viel wie Taschen- oder Quadratmund.

Auch zu Armstrongs angeblichen 110. Geburtstag an diesem Montag (4. Juli) steht das Haus in Queens Kleine-Leute-Viertel Corona für jedermann offen. Sein Totenbett wurde entfernt, aber die Küche ist noch genauso überwältigend blau wie zu Lucilles Lebzeiten. Auch das Wohnzimmer sei kaum verändert, sagt Dyer. Wer sich die Zeit nimmt, kann den Aufzeichnungen des weisen alten Mannes lauschen. Über tausend Stunden hatte Louis Armstrong teils allein, teils mit Freunden im Gespräch über Gott und die Welt auf Band gesprochen.

«Das Haus ist vielleicht nicht das schönste», schrieb er ein Jahr vor seinem Tod, «doch wer es betritt, das Heim der Armstrongs, der findet viel Gemütlichkeit und Glücklichsein.» Das Gefühl des Glücks hatte der «König des Jazz» auch in seinem vielleicht bekanntesten Hit besungen, «What a Wonderful World». Menschen glücklich machen, das konnte er, auf der Bühne wie im Leben: Immer mit einem Augenzwinkern und einem Lachen, das alle ansteckte.

Louis wuchs in der Armut des kreolischen Viertels von New Orleans auf. Die Eltern trennten sich bald Jahre nach seiner Geburt. Er war gerade zwölf, als er auf der Straße mit einer Pistole herumfuchtelte und von der Polizei in ein Heim für Herumtreiber gesteckt wurde. Dort lernte er mehrere Instrumente spielen, darunter auch die Trompete. Später gab er seine Musik auf Flussdampfern zum Besten. Mit denen gelangte er - wie auch der Jazz - von New Orleans den Mississippi hinauf bis nach Chicago. Dort traf er Joe «King» Oliver, seinen Mentor, und lernte richtige Bühnen und Studios kennen.

Anfang der 30er Jahre galt Armstrong als der beste Jazz-Trompeter der Welt. Dass er mit seiner Reibeisenstimme auch unverwechselbar singen konnte, obendrein selbst komponierte, seine eigene Band aufbaute und als erster Schwarzer eine eigene Radioshow bekam, machte ihn zu einem Star, wie der Jazz ihn nie wieder erlebt hat.

Mitte der 60er Jahre schaffte Armstrong sogar, was niemand einem Jazzer zugetraut hätte. Seine Hits «What a Wonderful World» und «Hello, Dolly» vertrieben die Beatles von den ersten Plätzen der US- Charts. Insgesamt hinterließ das Jahrhundertgenie weit über tausend Plattenaufnahmen, solo und mit den Besten seiner Zeit.

Angehört: Wolfert Brederode Quartet – „Post Scriptum“

2011-07-01T11:12:00.000+02:00

Wolfert Brederode Quartet - "Post Scriptum"

ECM 2184

Die Musik des niederländischen Pianisten Wolfert Brederode mit Käse zu vergleichen, ist angesichts seiner Herkunft etwas gewagt, aber durchaus treffend. Damit ist natürlich nicht gemeint, dass er „Käse“ spielt. Im Gegenteil: „Post Scriptum“ zergeht auf der Zunge wie ein gereifter Gouda.

Gereift ist überhaupt das Wort, dass man auf das zweite Werk des Musikers für das Label ECM anwenden darf, nein: muss. Ganze fünf Jahre sind seit dem Vorgänger „Currents“ vergangen, fünf Jahre, in denen die Musik dieses internationalen Quartetts (Claudio Puntin, Samuel Rohrer aus der Schweiz, Mats Eilertsen aus Norwegen) eine Tiefe und Intensität erreicht hat, die nur aus einer lange bestehenden Gruppe heraus entstehen kann. So ist dieses Quartett auch nicht auseinander zu dividieren – hier funktioniert ein eingespieltes Kollektiv, das trotzdem noch zu überraschen weiß, was vor allen in den zwei Varianten von „Silver Cloud“ und dem Titelstück „Post Scriptum“ nachzuhören ist, denn die Herangehensweise ist dort sehr unterschiedlich für den jeweiligen Song.

Im Gesamteindruck hinterlässt „Post Scriptum“ den typischen ECM-Flow, vom langsamen Titelaufbau hin zu geräuschhaften Effekten und sich steigernder Intensität und bleibt doch zu 100% Wolfert Brederode. Um zum Anfang zurückzukehren: Käse, ja, aber geschmacksintensiv und nachhaltig.

Wolfert Brederode im Netz: www.wolfertbrederode.com

ECM im Netz: www.ecmrecords.com

Thema: ECHO-Jazz 2011

2011-06-19T18:57:00.004+02:00

Lyambiko
Foto: Monique Wüstenhagen

Dresden - Namhafte Musiker haben in Dresden den renommierten Preis «Echo Jazz» erhalten. Die Ehrungen gingen am Freitagabend an Bobby McFerrin, die Jazzgitarristen Lee Ritenour und Pat Metheny, Sänger Thomas Quasthoff, Trompeter Till Brönner und Kontrabassist Charlie Haden. Der Echo gehört zu den etablierten und bekanntesten Musikpreisen der Welt.

Pianist Joachim und Klarinettist Rolf Kühn wurden für ihr Lebenswerk geehrt, Pianist Herbie Hancock erhielt den Sonderpreis für sein «Imagine Project». In der Kategorie «Ensemble des Jahres national» gewannen Michael Wollny, Eva Kruse und Eric Schaefer mit dem Album «(em) live at jazzbaltica», der internationale Ensemble-Echo ging an das Brad Mehldau Trio für «Highway Rider».

Die Deutsche Phono-Akademie - das Kulturinstitut des Bundesverbandes Musikindustrie - ehrt mit dem Echo jährlich herausragende und erfolgreiche Leistungen nationaler und internationaler Künstler. 2010 entschied sich die Akademie, den Jazz mit einer eigenen Preisgala zu würdigen. Die Gewinner werden von einer Jury ausgewählt, die ihr Urteil sowohl nach künstlerischer Qualität als auch nach Publikumserfolg fällt. Nach Angaben der Akademie gingen diesmal insgesamt 242 Nominierungen für 129 Tonträger ein.

ECHO-Jazz Preisträgerliste im Netz: www.echojazz.de

Angehört: Unni Wilhelmsen - „7“

2011-06-17T12:36:00.004+02:00

Unni Wilhemsen - "7"

Edel Content 0206659CTT

„Ach wie niedlich!“ möchte man angesichts des siebten (sic!) Albums der norwegischen Sängerin Unni Wilhelmsen spontan ausrufen. „Wieder so ein Album, auf das die Welt ganz bestimmt nicht gewartet hat!“ Plätscher-Pop, könnte man lästern, belanglos, unaufdringlich, zum Gähnen langweilig. Selbst Joni Mitchell`s „Both Sides Now“ klingt wie – Joni Mitchell. Nichts Neues also am Musiksternenhimmel. Oder?

Vielleicht ist es die Eingängigkeit, vielleicht sind es die Hooklines und griffigen Melodien – ganz bestimmt aber ist es die Stimme, die, eigentlich ein wenig zu hell und klar, durch dieses Album führt. Melancholie ohne Düsternis bringt diese Stimme hervor, bittersüß in den (na klar) Liebesliedern aus eigener Feder. Unni Wilhemsen liefert den Soundtrack für laue Sommerabende im Regen oder für (un)freiwillige Singles mit Hang zum Selbstmitleid. Wer auf eine Mischung aus Norah Jones und Tracy Chapman steht, der ist hier genau richtig aufgehoben.

Unni Wilhelmsen im Netz: www.unniwilhelmsen.com

Edel Content im Netz: www.edel.com

Angehört: Bill Carrothers „A Night At The Village Vanguard“

2011-06-09T09:53:00.001+02:00

Bill Carrothers "A Night At The Village Vanguard"

Pirouet PIT3056

Mit Herz, Hirn und Humor ist hier ein großartiger Pianist am Werke, der zu Unrecht immer noch ein Unbekannter ist. Carrothers, der sich jeglicher einfachen Einordnung erfolgreich widersetzt, besitzt neben einer gehörigen Portion Talent auch genügend Witz, um den verstaubten Tasten seines Instruments völlig neue „Saiten“ abzugewinnen. Er, der als verschroben gilt, als einer, der mit der Großstadt nicht zurecht kommt und deshalb schon vor Jahren aufs Land flüchtete, findet in dieser selbstgewählten Außenseiterrolle immer wieder neue Ansatzpunkte um den Klassikern des Genres Jazz seine eigenen Noten hinzuzufügen oder sie neu zu interpretieren. Wer sonst würde im Jahre 2011 auf die verrückte Idee kommen, ausgerechnet Titel des Trompeters Clifford Brown in sein Repertoire einzubauen, um sie dann auch noch genial augenzwinkernd und doch betont ernsthaft zu zelebrieren? Wer erinnert sich heute noch an Bud Powell – und besitzt den Mut, sich diesem Meister zu nähern? Bill Carrothers ist hier ganz unbefangen. Spielerisch leicht gelingen ihm und seinen langjährigen Mitstreitern Nicolas Thys und Dré Pallemaerts auf „A Night At The Viallge Vanguard“ ganz eigene, zeitlos schöne Versionen einiger alter Meisterwerke wie „Joy Spring“, „Gertrude`s Bounce“, „Jordu“ oder Mancini`s „Days Of Wine And Roses“, um dann ohne Bruch zu eigenen Titeln überzuleiten. Diese Doppel-CD (übrigens die erste aus dem Hause Pirouet) sollte daher in keiner zeitgenössischen Jazzsammlung fehlen.

Bill Carrothers im Netz: www.carrothers.com

Pirouet im Netz: www.pirouet.com

Thema: Elbjazz Festival 2011

2011-05-30T13:30:00.000+02:00

Eine Maschinenbauhalle, in der tags zuvor noch gearbeitet wurde, zur Spielstätte moderner Jazzmusik umzufunk- tionieren, überhaupt ein Werftgelände als Auftrittsort für Musik zu nutzen, das ist Teil des originellen Konzepts beim Elbjazz Festival. Und dieses Konzept kommt an: kamen im letzten Jahr zur Premiere auf Anhieb 10.000 Besucher, so waren es in diesem Jahr laut Auskunft der Veranstalter schon 15.000 Menschen, die Jazz an außergewöhnlichen Orten erleben wollten – trotz des sprichwörtlichen Hamburger „Schietwetters“.

Rund 50 Bands auf 10 Bühnen zu verteilen, war schon eine Herausforderung, wie Tina Heine als Mitorganisatorin vor dem Festival verriet, und nicht alles ging reibungslos über die Bühne. Es gab kurzfristige Programmänderungen, die leider nicht allen Gästen des Festivals bekannt waren, und so sorgte die Vorverlegung des Konzertes von Matthias Eick von Samstag auf den Freitag für Unmut beim Publikum. Auch dass das an sich spannende Programm die großen Namen schon am Freitagabend präsentierte, ist für ein solches Festival verbesserungswürdig. Charlie Haden`s Quartet West, Klaus Doldinger`s Passport und Kurt Elling – alle am Freitag.

Trotzdem gab es auch am Samstag schöne Momente: Klaus Doldinger mit Nils Landgren etwa, oder auch Nik Bärtsch`s Ronin, die trotz Erkrankung des Klarinettisten nur im Quartett auftraten. Verzichten konnte man dagegen auf den Auftritt von Paolo Nutini, der mit Jazz so gar nichts zu tun hatte.

Schön an diesem Festival war auch die Atmosphäre des Hafens und die Überfahrt mit den Barkassen über die Elbe, bei dem einige Besucher aufgrund des etwas stärkeren Seegangs leicht blass um die Nase wurden. Wer aber von einem Konzert zum nächsten wollte, der hatte zum Teil lange Wege zurück zu legen. Zu lang manchmal, und wenn man auf „seine“ Barkasse warten musste, konnte es schon vorkommen, dass das angepeilte Konzert zu Ende war, bevor man ankam. Hier wäre zu überlegen, ob man nicht lieber gebündelter an einem Ort auftreten sollte, anstatt die Spielstätten im ganzen Hafen zu verteilen. Lieber ein paar Bühnen weniger, dafür aber besser und in kürzerer Zeit erreichbar, als lange Wege und Frust über verpasste Konzerte. Vielleicht eine Anregung für das nächste Elbjazz Festival 2012!

Elbjazz im Netz: www.elbjazz.de

Thema: Mit Passport in die Welt - Klaus Doldinger wird 75

2011-05-11T20:30:00.000+02:00

(dpa) - Ein wenig fremd habe er sich schon gefühlt, sagt Klaus Doldinger, als er Mitte der 60er Jahre im Hamburger Star Club aufgetreten sei. Er kam aus der Jazz-Welt und empfand als «Purist» den Rock-Sound eher als schräg.

Doch dann holte der junge Mann am Saxofon schnell auf - und wurde zu einem der erfolgreichsten Musiker aus Deutschland. Mit seinem «Tatort»-Vorspann lassen Millionen das Wochenende ausklingen, der Kriegsfilm «Das Boot» wird erst durch Doldingers Breitwand-Musik zur unheimlichen Tauchaktion.

Doldinger, der am 12. Mai 75 Jahre alt wird, ist seit Jahrzehnten Aushängeschild des deutschen Jazz - auch wenn das angesichts seiner Karriere viel zu kurz gegriffen ist. Mit seiner legendären Band Passport erwies er sich als Grenzgänger: integrierte Klänge aus Nordafrika und Südamerika mit Jazz, Rock und Soul, eine Mischung, mit der er weltweit auftrat und die zu seinem Markenzeichen wurde.

Sein erstes Album hieß 1963 noch «Doldinger - Jazz made in Germany». Das sollte irgendwie programmatisch klingen. Nach NS-Zeit und Krieg war der Jazz wieder heimisch geworden in Deutschland. Doldinger, 1936 in Berlin geboren, und seinen langjährigen Produzenten Siggi Loch lockte es aber aus der Bundesrepublik in die Welt. «Ich wollte meine Unabhängigkeit bewahren», sagt er heute.

Der Jazzer war auf der Suche nach dem «liedhaften Komponieren», nach einprägsamen Melodien. Er wurde damit zum Meister der kleinen Form: knappe Erkennungsklänge und Leitmotive, wie geschaffen für TV-Serien, Filme und Werbespots.

Früh begeisterte sich Doldinger für Glenn Miller, als Oberprimaner wurden 1960 seine «Feetwarmers» zur besten deutschen Dixieland-Band gekürt. Dann folgte ein Musikwissenschaft- und Tonmeister-Studium. Von der Klarinette stieg er auf Saxofon um, das ihm ein Zirkusclown verkauft hatte. Anfang der 60er Jahre tourte Doldinger schon durch die USA: Grundlage seines großen Erfolgs wurde die 1971/72 formierte Band Passport mit Udo Lindenberg am Schlagzeug, Jimmy Jackson, Olaf Kübler und Lothar Meid in der Erstbesetzung.

1975 brachte er es mit dem Album «Cross-Collateral» bis in die US-Charts. Alben wie «Iguacu» (1977) und «Ataraxia» (1978) gelten als Meilensteine des Pop-Jazz. Fast 30 Platten nahm er mit Passport auf. Unter dem Pseudonym «Paul Nero» gab er außerdem rund 15 Alben mit Pop-Arrangements heraus. Sie hießen «Soul Party» und «Abends in der Cocktailbar» und vermischten Soul mit Easy Listening.

Mit dem «Tatort» wurde Doldinger dann außerhalb der Musikwelt bekannt. Zuvor hatte er bereits die Musik für einen Trailer zur Einführung des Farbfernsehens geschrieben. Den flüchtenden Mann für die ARD-Serie begleitete Doldinger mit harten Beats und der heute berühmten Melodie. «Ich habe mich von diesen Schritten zu der Fluchtmusik inspirieren lassen.»

Mit dem «Boot» bekam er 1996 eine Goldene Schallplatte. Regisseur Wolfgang Petersen wollte ihn nach Hollywood locken. «Ich war aber hier schon etabliert», sagt Doldinger. Er hatte sich in München niedergelassen und war ein gefragter Komponist.

Mit «Inner Blue» hat Doldinger nun in seinem Haus im Isartal in Bayern ein neues Passport-Album eingespielt. Und die «Tatort»-Musik gibt es jetzt auch als symphonisches Werk. Zusammen mit Passport hat die Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz die bekanntesten Doldinger-Titel aufgenommen - Musik im Kinoformat. Der Film habe ihm die Augen geöffnet für den großen Melodie- und Harmoniebögen, «auf die ich mit reinem Instrumental-Jazz gar nicht gekommen wäre», sagt er.

Klaus Doldinger im Netz: www.klaus-doldinger.de

Angehört: Hazmat Modine „Cicada“

2011-05-07T18:38:00.002+02:00

Hazmat Modine "Cicada"
Jaro JARO 4292-2

Es ist Swamp, es ist Delta-Blues. Es ist der Alligator, der im Sumpf mit glühenden Augen lauernd nach Beute schaut, während die Zikade hoch über ihm unbeeindruckt ihr Lied zirpt. Es ist ein schwüles Gebräu, ein „World-Blues“, wenn es so etwas überhaupt gibt. Wenn nicht – Hazmat Modine haben ihn erfunden.

Diese achtköpfige Truppe, benannt nach dem englischen Ausdruck hazardous material (Gefahrengut) und Modine, einem zumeist gewerblich genutzten Heizlüfter der gleichnamigen Firma Modine Manufacturing Company, belebt den Ur-Blues mit spielerischen Elementen anderer Kulturen. Diese Musik ist nicht irgendeinem Trend angehängt, diese Musik ist der Trend, einzigartig und faszinierend. Ohne Anstrengung fusioniert hier Blues mit afrikanischer Musik, mit Klängen aus Indonesien oder Slowenien. Wade Schuman, Harmonikaspieler, Gitarrist, Sänger, Maler und Kopf der Band, verwirklicht mit Hazmat Modine seine ganz spezielle Art eines erdigen Klangraumes Und so ist auch die Besetzung ungewöhnlich, denn dass Fundament dieser Band besteht aus Sousaphon und Bassklarinette, darunter die Perkussion, darüber zwei Gitarren und Mundharmonika sowie eine Trompete. Dazu der schräge, brüchige Gesang Schumans.

Wie die Zikade aus ihrem dunklen Erdreich in die Bäume klettert, um dort ihr Lied zu singen, so klettern auch Hazmat Modine in das Ohr des Hörers. Und so wie der Gesang der Zikade lange nachhallt, so hallt auch die Musik dieser New Yorker Band lange im Innern wider.

„Ich halte mich an keine Strenggläubigkeit,“ sagt Wade Schuman. „Es ist nicht meine Absicht, Musik zu machen, die sich irgendeiner Szene einfügt.“ Hazmat Modine passen sich nicht an, aber Hazmat Modine passen mit diesem Cocktail wunderbar in die heutige Zeit, wo die Musik an sich sämtliche Konventionen über Bord wirft. Aber Außenbords wartet der hungrige Alligator, nur scheinbar dem Lied der Zikade lauschend...

Hazmat Modine im Netz: www.hazmatmodine.com

Jaro Medien im Netz: www.jaro.de

Hazmat Modine "Cicada" : Der Film

Thema: Jazzahead – ein Erfolgsmodell?

2011-05-05T10:34:00.002+02:00

Die Zahlen belegen es eindeutig: die sechste Auflage der Messe Jazzahead in Bremen war so erfolgreich wie nie. 357 Aussteller und über 5600 Besucher verzeichnete das Messeteam und zog damit eine durchweg positive Bilanz. Hat sich Bremen damit als Mekka der Jazzszene etabliert?

Man muss die Zahlen ein wenig relativieren. Noch nie waren so viele Messestände vor Ort, doch mit ihnen stieg auch die Zahl der Fachteilnehmer auf über 2000 an. Rechnet man diese von der Gesamtzahl ab, dann bleiben unter dem Strich nur rund 3600 tatsächliche Besucher. Nicht gerade viel für das stark vergrößerte Angebot an Konzerten, die am Freitagabend erstmals auch zu einer Clubnacht mit 14 Spielstätten in die Innenstadt lockte.

Auch das ausverkaufte Konzert von Sezem Aksu in der Glocke, die die Türkei - als Partnerland der Messe - aufgeboten hatte, zeigte eher eine Öffnung in Richtung Pop denn echten Jazz. Von diesen Aussichten auf ein ausverkauftes Haus konnte so manch anderer Künstler bei seinem Auftritt in Bremen nur träumen, dabei war die gebotene Qualität der einzelnen Darbietungen sehr hoch. Eine Ausnahme war wie immer der Veranstaltungsort Schlachthof, wo sich jeden Abend das Fachpublikum traf – und zumeist unter sich blieb.

Und doch scheint die Jazzahead in diesem Jahr einen echten Schritt vorwärts gemacht zu haben. Endlich erfolgte die längst (über)fällige Öffnung für ein breites Publikum und eine Clubnacht, die hoffentlich eine Wiederholung finden wird – und dann auch mehr Menschen anziehen dürfte. An der Qualität der Konzerte kann es jedenfalls nicht liegen, allenfalls daran, dass kaum große Namen vertreten sind. Aber auch hier sollten die Messemacher sich selbst treu bleiben: die Jazzahead war von Anfang an auch eine Entdeckermesse. Um die Jazzahead also weiterhin voran zu treiben ist auch zukünftig ein langer Atem notwendig. Bleibt zu hoffen, dass in Zeiten der sinkenden Kultursubvertionen dieser Atem nicht zum Stillstand kommt.

Jazzahead im Netz: www.jazzahead.de

Angehört: Jarabe de Palo „Y Ahora Qué Hacemos“

2011-05-04T15:38:00.000+02:00

Jarabe de Palo „Y Ahora Qué Hacemos“
Skip Records SKP 9103-2

Kein Ton Jazz. Versprochen. Nein, dies ist gut strukturierte Rockmusik aus Spanien. Es geht um Liebe, um Freiheit als Schlüssel zum Glück. Jarabe de Palo haben das Zeug zum Glücklichmachen und den Exotenstatus, den in den 80er Jahren die italienische Szene hier zu Lande hatte. Gitarrist und Songschreiber Pau Donés ist mit seiner Gang auch nach 14 Jahren Bandgeschichte wiederum ein hervorragendes Stück spanischer Rockgeschichte gelungen. Dies ist der Sound des Sommers, das Cabriodach heruntergekurbelt und die Anlage auf maximale Lautstärke gestellt. Yep! Yep! Yep!

Jarabe de Palo im Netz: www.jarabedepalo.com

Skip Records im Netz: www.skiprecords.com

Live: Randi Tytingvag@Jazzahead 2011

2011-05-02T20:49:00.005+02:00

Foto: Ozella Music

Jazz am Nachmittag ist keine gute Idee. Der Jazz gehört in die Nacht, wenn alle Schatten grau sind. Dort vermag er seinen schimmernden Glanz zu verbreiten um das Dunkel aufzuhellen und erträglich zu machen. Jazz im Sonnenlicht erinnert an Frühschoppen mit Bierbudenromantik und grölenden Massen.

Randi Tytingvag lässt sich davon nicht beeindrucken. Die überdimensionierte, verdunkelte Halle für ihren Auftritt bei der Jazzahead in Bremen wirkt so einladend wie ein Kühlschrank. Hier soll man sich also auf die Musik einlassen können, die gleich ertönt. Skepsis macht sich breit. Sie ist unbegründet.

Bereits die ersten Klänge machen klar: hier passiert etwas. Die Sängerin aus Norwegen, wie immer in einem etwas farblosen Kleid, das entfernt an den Hausfrauenlook der 50er Jahre erinnert, beherrscht mit klarer Stimme und sparsamer Geste die Bühne. Kein Ton zuviel erklingt von ihrer erlesenen Begleitband, und es ist so ruhig, dass man dazwischen eine Stecknadel zu Boden fallen hört. Sie braucht keine Minute, um das Publikum auf ihre Seite zu ziehen. Sie lässt einen den Nachmittag vergessen, ihre Stimme verdunkelt das Licht und schenkt zugleich Geborgenheit. Die kühle Halle verwandelt sich in einen verrauchten (und verruchten) Club, in eine Bar nach Mitternacht. Jeden Moment erwartet man Tom Waits, der hier problemlos einsteigen könnte. Nur die Drinks fehlen für die perfekte Illusion. Ist es Jazz? Folk? Cabaret? Alles, und doch nichts davon. Es ist einfach 100 Prozent Randi Tytingvag.

Nach einer halben Stunde ist Schluss. Das Licht geht an, geblendet schließt man die Augen. Randi Tytingvag geht, ihre Musik bleibt.

Randi Tytingvag im Netz: www.tytingvaag.no